Cosmoscow-2016. Купите это немедленно!
В московском Гостином Дворе до 11 сентября 2016 года работает международная ярмарка современного искусства Cosmoscow. В этом году в ее основной программе рекордное число галерей-участников (38), на стендах которых представлены работы более ста художников. Зарубежное представительство обеспечивают галереи из Антверпена, Берлина, Лондона, Мадрида и Нью-Йорка, а также молодые галереи из разных стран, участвующие в секции Discovery.
Cosmoscow-2016. Вид экспозиции. Фото: Екатерина Алленова/Артгид
Накануне открытия ярмарки «Артгид» проинспектировал стенды, чтобы составить свой хит-лист работ, которые, по мнению нашей редакции, нужно купить немедленно (а еще мы решили быть патриотами: все десять отобранных нами работ принадлежат российским художникам, которых представляют российские галеристы).
Если верить знаменитому слогану РЖД, «Россия живет дорогами»… А также прокуренными тамбурами пригородных электричек, залами ожидания, помятыми лицами сограждан, которых каждый день нелегкая несет разным транспортом из пункта А в пункт Б, — в общем, бесконечным маршрутом «Москва — Петушки». Собственно, из всего вышеперечисленного состоит живописный словарь классического Семена Файбисовича — художника, которому в конце 1980-х удалось передать на своих полотнах все цвета и оттенки русской тоски, пронизывающей бесконечное ожидание в транзитных зонах, плоский пейзаж за окном, лица случайных попутчиков, да и вообще все наше бытие. Всего за €225 тыс. вашими станут запах раскаленного металла, мочи и пивной отрыжки, а также удивительный золотой свет, который можно увидеть только в России и на полотнах Файбисовича.
Художник по ту сторону рацио Евгений Антуфьев на Cosmoscow представляет сам себя и свои новые работы — керамику. Антуфьев, который говорит о себе как об «энциклопедии с вырванными страницами», возвращает искусство туда, откуда оно пыталось (с переменным успехом) вырваться в конце XVIII столетия и вернуться (с тем же переменным успехом) в начале XX-го, — в пространство сакрального, загадочного и невыразимого. Визуальный словарь художника (шлимановские церемониальные кубки, чаша причастия, Святой Грааль, куртуазная символика «Дамы с единорогом» и защитная магия деревянной резьбы и росписи Русского Севера) складывается как та самая энциклопедия, на страницах которой собраны и в причудливой логике средневековых бестиариев перемешаны универсальные, веками известные символы, образы и мотивы. Но форма и пластика — они всегда оригинальны, узнаваемы и свойственны только этому художнику.
P.S. Продано.
В «графическом кабинете» (то есть в подсобке) Galerie Iragui, которая отдала свой стенд под работы Георгия Литичевского и Ольги Божко, можно найти более «притягательный металл» — графические листы Павла Пепперштейна и Виктора Пивоварова. Причем Пивоваров представлен рисунками к ходившей в самиздате и впервые опубликованной в СССР лишь в конце 1980-х повести Юза Алешковского «Николай Николаевич» (1970). Несколько лет назад издательство «Пробел» придумало отметить 85-летие классика Алешковского шикарным изданием, оформить которое пригласили другого классика — Виктора Пивоварова. Но хотя книга вышла в 2014 году, в магазинах вы ее не найдете: книгопродавцы отказывались брать «Николая Николаевича» на реализацию по причине оголтелой «непристойности» как текста, так и иллюстраций. И действительно, перед нами совсем другой, непривычный Пивоваров. Из знатока и эстета (хотя и с эротоманской изнанкой) он превратился в «барачного» художника, лапидарными средствами (тушь, иногда белила) на оберточной бумаге живописующего абсурд советской жизни. По силе воздействия эта серия сравнима разве что с перверсивными «Темными комнатами», которые художник показал в 2004 году в XL Галерее.
Стенд дебютанта ярмарки, московской галереи «Здесь», полностью посвящен творчеству Бориса Кочейшвили — художника (а также поэта), заслуживающего большей известности среди тех, кто причисляет себя к адептам современного искусства. Кочейшвили принадлежит к поколению нонконформистов, пытавшихся выстроить распавшуюся связь между их собственной эпохой и эпохой авангарда, которую художникам 1960–1970-х предстояло открыть и осмыслить заново. Как и творцов начала XX века, Кочейшвили интересовали не иллюзия и имитация, а желание взломать картинную плоскость, придав ей осязаемость реального мира. Из этого импульса родились знаменитые рельефы художника (чисто белые или изысканно монохромные), которые нам нужно научиться ценить, как мы ценим живопись Вейсберга или объемные эксперименты Рогинского.
На стенде галереи Shaltai Editions (да-да, наш любимый магазин арт-подарков «Шалтай-Болтай» обзавелся еще и галереей тиражного искусства) можно наблюдать, как переизобретает себя один из самых известных живописцев девяностых и нулевых Владимир Дубосарский. Несколько лет назад после «долгой и продолжительной болезни» бывшие соавторы Александр Виноградов и Владимир Дубосарский, наконец, нашли в себе мужество признать, что их совместный проект не только затянулся, но и исчерпал себя, окончательно выродившись к концу нулевых в бессмысленный и беспощадный салон. Сепарация, как это часто бывает, проходила болезненно, персональные выставки бывших участников дуэта демонстрировали, как тяжело каждому из них преодолеть инерцию давно известных, выработанных еще совместно сюжетов и приемов. Но Дубосарский рискнул радикально сменить медиа и, кажется, выиграл. Среди удручающе тотального станковизма Cosmoscow экспериментальное ткачество Дубосарского греет душу не только шелковой мягкостью, но и ценой — ведь новый Дубосарский стоит в три раза дешевле старого.
Уникальное предложение, которое маркетологи обозначили бы как «два в одном», а биологи назвали бы гибридом. Два художника, прямо скажем, совсем не схожих друг с другом, — неформальная и неформатная Александра Галкина и перфекционист Сергей Сапожников — объединились, чтобы создать ироничное высказывание на тему… ну, собственно, смыслов в этой работе заложено множество.
Сотрудники музея ART4 не вздрагивают при слове «диаксация». Более того, практически все, что было нажито «непосильным трудом» основателем «первого частного музея современного искусства в России» коллекционером Игорем Маркиным, можно купить. На Сosmoscow безжалостный Маркин кроме работ Михаила Рогинского представил целую коллекцию живописных произведений Владимира Вейсберга (ню, портреты и натюрморты конца 1960-х — начала 1980-х годов). Причем коллекция эта почти полностью состоит из работ самого ценимого поклонниками живописца «белого» периода, когда Вейсберг сосредоточился на том, чтобы добиться, по его собственному выражению, «невидимой живописи». «Три букета с цветами» наглядно демонстрируют переход от Вейсберга цветного к Вейсбергу белому там, где художник нашел «грань умозрительного с непосредственным».
«Вперед к победе коммунизма!» — белыми буквами (зубной порошок+клей?) на красном полотнище в начале 1970-х провозгласили художники Виталий Комар и Александр Меламид и скромно подписали провозглашенное своими именами (работа «Лозунг» из серии «Соц-арт», 1972). «Я ни на что не жалуюсь и мне все нравится, несмотря на то, что я здесь никогда не был и не знаю ничего об этих местах», — белым по красному ответили им в конце десятилетия концептуалисты (акция группы «Коллективные действия», 1977). 1980-е породили лозунг «Риму — Рим» (инсталляция Андрея Филиппова «Тайная вечеря», 1989), нулевые оптимистично прокричали «Счастье не за горами» (одноименная инсталляция Бориса Матросова, 2005), десятые захлебнулись в отчаянии: «Эй ты люби меня». Весной 2015-го призыв любить появился на серой стене Центра современного искусства «Заря» во Владивостоке. Его автор — художник из Екатеринбурга Тимофей Радя — вообще мастер формулировок, но тут ему удалось в лапидарной фразе, лозунге воплотить одновременно все чаяния и неврозы своего поколения, а может быть, и всей нашей страны.
Призрачные деревни с незасыпающими окнами, растворяющиеся в снежном мареве столбы электропередач, абсурдные и одновременно жуткие персонажи — соц-арт, приправленный концептуализмом и пропущенный через мясорубку сюрреализма = узнаваемый стиль уроженца Башкирии Рината Волигамси, который с недавних пор уверенно движется в сторону объекта.
«Льенсо» в переводе с вьетнамского — «советский». Так назвалась одна из лучших выставок сезона 2015/2016 — проект молодого художника Ивана Новикова в галерее pop/off/art на «Винзаводе». Конечно, ярмарка не то место, где имеет смысл говорить на такие темы, как война во Вьетнаме (а именно ей был посвящен «Льенсо»), и вырванные из контекста проекта абстракции Новикова не обладают той силой воздействия, какой они обладали ранее. Но все же, пусть даже в расчлененном виде, «Льенсо» остается одним из знаковых проектов последнего времени, место которому в солидной музейной коллекции.
