Поддержи искусство и «Артгид»!

logo-small.svg

Иван Клюн — в Ельцин Центре, диалог культур — в Казани, знаки — в Красноярске. Обо всем рассказываем в нашем дайджесте.

март 2026

Выставки недели в регионах: 

Выставки недели в мире: 

апрель 2026

Выставки недели в Москве: 

апрель 2026

Выставки недели в Санкт-Петербурге:

Выставки недели в мире:

май 2026

Выставки недели в Москве:

Выставки недели в регионах:

июнь 2026

Последние десятилетия советского искусства во всем многообразии: свердловский пленэрный авангард, «всеядная» типографика, слияние «подпольного» и официального, а также медитативно-эскапистские пейзажи. В этой подборке — российские выставки об искусстве и художниках 1980-х.

1980-х

Искусство

Открываем новое пространство в Доме творчества Переделкино выставкой о теоретике авангарда Викторе Шкловском, а в Ясную Поляну едем на театральный фестиваль «Толстой». В Москве — фестиваль независимой книжной культуры с лекциями о конфуцианстве и варке кофе, а также исследование влияния кинематографа на тексты писателя в Музее Булгакова. Петербург зовет на проект к 140-летию Николая Гумилева в Музее Ахматовой и новую экспозицию Музея ОБЭРИУ.

выставки, фестивали и книжный маркет

Литературные события:

июль 2026

Выставки в усадьбах:

В Главном штабе Эрмитажа актуальные индийские инсталляции и гейм-дизайн выставили вместе с артефактами эпохи Великих Моголов. Новая Третьяковка показывает современное искусство Омана, а ГЭС-2 раскрывает феномен бенгальского гуру Рабиндраната Тагора. В Национальном музее Татарстана исламские рукописи XVI века объединены с видеоэссе и стрит-артом, а в Петербурге РОСФОТО документирует хронику уходящего быта турецкой Анатолии. Подробнее обо всем — в новой подборке.

на российских выставках

Искусство Востока

О духовном и сакральном в искусстве:

В этот раз слушаем музыку во всех ее проявлениях: от советского авангарда, японского диско-попа и китайского постпанка в «Гараже» до академической классики и звуковых экспериментов в недавно открывшемся ТОН-ЦЕНТРе. Изучаем авторские инструменты Сергея Филатова на выставке «Экстракт звука», знакомимся с молодыми пианистами на фестивале Pianissimo, а в Музее Прокофьева возвращаемся к самым ранним истокам его музыки — семейной памяти, первым сочинениям и степной тишине Сонцовки.

Лето. Музыка. Искусство

Что общего у московских панелек, ханойского арт-салона, витражей из ленинградских домов и карт Камы? Все они умеют рассказывать о городе не хуже экскурсовода. Пять выставок предлагают пройти по архитектурному лабиринту от древнерусских срубов до советских микрорайонов, заглянуть в особняки Шехтеля, рассмотреть спасенные детали и выяснить, как климат, привычки и время меняют дома — а дома, в свою очередь, учат нас смотреть на города по-новому.


Архитектура на российских выставках

Раз в неделю

В начале 1960-х годов группа инженеров, физиков и художников — студентов Казанского авиационного института — исследовала возможности взаимодействия звука и света. Синтез инженерного мышления и творческого поиска привел к созданию установок и проектов, открывших путь современному видео- и медиаарту. Под руководством Булата Галеева конструкторское бюро «Прометей» вскоре вышло за рамки университетской лаборатории: его светомузыкальные аппараты начали выпускать серийно, а фестиваль «Свет и музыка» собирал тысячи зрителей. Музыкальный критик Александр Глазков прослеживает историю КБ «Прометей» в ряду других световых экспериментов, а выставка «Светлая оттепель» в Центре Вознесенского раскрывает этот контекст, спекулятивно реконструируя Музей светомузыки и показывая роль казанских художников в становлении отечественного медиаискусства.

Музыкальный критик Александр Глазков прослеживает историю КБ «Прометей», исследовавшего возможности звука и света, в ряду других световых экспериментов.

и вокруг него

Светомузыка в «Прометее»

Мы привыкли к тому, что эмблематическими для музеев являются экспонаты, известные многим поколениям. Но в Перми произошло нечто, выходящее за рамки этой аксиомы: хайлайтом Музея пермских древностей стал открытый совсем недавно трогонтериевый слон. Он оказался не только очередным доказательством того, что «Россия — родина слонов», но и научной сенсацией международного уровня. Директор Пермского краеведческого музея Татьяна Вострикова и ее коллега, заместитель по развитию Юлия Глазырина рассказывают о том, как еще в позапрошлом веке открытие пермского геологического периода сделало их край частью глобального научного, промышленного и культурного сообщества и как в наше время сенсационная находка изменила настоящее и будущее одного музея. Материал подготовлен при поддержке Благотворительного фонда Владимира Потанина.

Директор Пермского краеведческого музея Татьяна Вострикова и ее коллега, заместитель по развитию Юлия Глазырина рассказывают о том, как в позапрошлом веке открытие пермского геологического периода сделало их край частью глобального научного, промышленного и культурного сообщества и как в наше время сенсационная находка изменила настоящее и будущее одного музея.

Слон как чудо

Сатка — старинный заводской город в горах Урала между Челябинском и Уфой. Оказавшись здесь в начале нулевых, вы бы увидели обыденную для моногорода картину: смесь типовой, в основном серого цвета застройки, индустриального и природного пейзажей, а также тут и там разбросанных немногочисленных «достопримечательностей» — сталинского времени Дворец культуры или храм Святого Николая Чудотворца. Сегодня Сатка выглядит и, что еще важнее, чувствует себя совсем иначе. Благоустроенные улицы, выложенные мозаикой остановки, галерея муралов или ультрасовременный заводской музей — не только внешние признаки «пересборки» города, но и ее ключевые инструменты. О роли культуры в трансформации промышленного центра рассказывают культурный журналист Анна Голенко, краевед Илья Пронченко и редактор «Артгида» Анастасия Дергоусова. Материал подготовлен при поддержке Благотворительного фонда Владимира Потанина.

Культурный журналист Анна Голенко, краевед Илья Пронченко и редактор «Артгида» Анастасия Дергоусова рассказывают о роли культуры в трансформации Сатки — промышленного центра, старинного заводского города в горах Урала между Челябинском и Уфой.

и сшить

Разорвать

В 2026 году исполнилось ровно десять лет, как Наталья Федянина возглавляет Музей Норильска. Энергичная и деятельная, она совершенно органична Норильску — индустриальному городу с невероятной социальной динамикой: люди приезжают сюда из других мест ради работы и через какое-то время уезжают на «большую землю», состав горожан почти полностью обновляется каждое десятилетие. Как работать в таком контексте и воплощать сверхамбициозные задачи, что такое «соучастное проектирование», зачем музею арт-резиденция, чем кормить идолов и может ли в Норильске появиться Арктический музей современного искусства? Обо всем этом директор Музея Норильска рассказала главному редактору «Артгида» Марии Кравцовой.

«Кроме искусства, нет инструментов работы со сценариями будущего»

Наталья Федянина: 

В марте этого года в Самаре после трехлетней реконструкции открылось здание галереи «Виктория». Обновление пространств, проведенное вскоре после двадцатилетнего юбилея, красноречиво подытожило один из наиболее насыщенных периодов в истории российского современного искусства. С 2005 года «Виктория» выстроила программу, заслуживающую внимания далеко за пределами Самары. Илья Леонов вспоминает ключевые проекты галереи, определившие ее яркий имидж.

Christie’s, советский андеграунд и волжский гедонизм

Двадцать лет галереи «Виктория»: 

Что вы представляете, когда слышите о взаимодействии музея и театра? Возможно, спектакль, поставленный в музейном зале. Но есть варианты и поинтереснее. Оживающие экспонаты, застолья с песнями, прогулки на закате, любовные признания в наушниках или триллер, разворачивающийся прямо в старинной избе, — как вам это? В нашем театральном словаре пока всего десять букв — но какое разнообразие форматов! Рассказываем о самых интересных проектах на стыке музея и театра, воплощенных в разные годы при поддержке Фонда Потанина.

Рассказываем о самых интересных проектах на стыке музея и театра, воплощенных в разные годы при поддержке Фонда Потанина.

азбука музейно-театральных форматов

От аудиоспектакля до VR:

«Артгид» крайне редко пишет об археологии. Это, конечно, несправедливо, тем более что отечественные музеи дают богатый материал для изучения темы. Знакомство с ней можно начать с составленного археологом Варварой Бусовой топ-листа уникальных движимых памятников археологии в разных городах России.

Археолог Варвара Бусова составила топ-лист уникальных движимых памятников археологии в разных городах России.

Бизон, принцесса и колчан

География первого паблик-арт фестиваля «Смена» с темой «Человек градообразующий» охватывала полтора десятка городов — много работать и путешествовать пришлось не только художникам, но и всей команде. Всего за несколько месяцев 20 художников создали 29 муралов в разных уголках страны. О том, сколько работы стоит за подготовкой масштабного фестиваля, рассказывают организаторы «Смены»: куратор Владимир Абих, продюсер Александр Мущенко, технический директор Никита Маликов и команда Фонда Мельниченко — генеральный директор Татьяна Журавлева, креативный директор Владимир Чесноков и руководитель проектов Станислав Топорков.

Организаторы паблик-арт фестиваля «Смена» рассказывают о том, сколько работы стоит за подготовкой такого масштабного события.

Десять заповедей организатора паблик-арт фестиваля

Страна

Портал Artprice выпустил 31-й ежегодный обзор рынка современного искусства. Исследование основано на результатах публичных аукционов изобразительного искусства — живописи, скульптуры, графики, фотографии, принтов, видео, инсталляций, гобеленов и NFT — и охватывает период с 1 июля 2024 года по 30 июня 2025 года. Сегодня мы знакомим наших читателей с выводами аналитиков Artprice, которые выяснили, кто сейчас покупает современное искусство, насколько теперь популярны NFT и как формируется «рынок двух скоростей».

Портал Artprice выпустил 31-й ежегодный обзор рынка современного искусства. Исследование основано на результатах публичных аукционов изобразительного искусства — живописи, скульптуры, графики, фотографии, принтов, видео, инсталляций, гобеленов и NFT — и охватывает период с 1 июля 2024 года по 30 июня 2025 года. Сегодня мы знакомим наших читателей с выводами аналитиков Artprice, которые выяснили, кто сейчас покупает современное искусство, насколько теперь популярны NFT и как формируется «рынок двух скоростей».

не падение, а перестройка

Тренды арт-рынка 2025: 

5 марта 2026 года на вечернем аукционе Christie’s в Лондоне произведение Василия Кандинского «Красный круг» было продано за $16,73 млн. Сумма оказалась на 19% ниже, чем в 2018 году, когда эта работа на Sotheby’s ушла за $20,62 млн. От чего зависят цены на произведения Кандинского? Вместе с искусствоведом, директором Sotheby’s в России (2007–2016) Михаилом Каменским «Артгид» разобрался в особенностях аукционной торговли работами художника.

как формируется цена

Рынок работ Кандинского: 

Арт-рынок

1 апреля 2025 года ушла из жизни Марина Соколовская — искусствовед, куратор, руководитель экспозиционно-выставочного отдела Музея Бориса Ельцина, преподаватель УрФУ имени Б. Н. Ельцина. Редакция «Артгида» была знакома с Мариной скорее заочно: мы встречались на конференциях и дискуссиях, следили за проектами и читали тексты друг друга, время от времени подступались к совместным материалам, которым так и не суждено было быть написанными. Наше общение — профессиональное и личное — будто застыло в состоянии «вот-вот», на стадии взаимного (хочется верить) интереса, не реализованного из-за занятости и бесконечных бытовых, кажущихся теперь незначительными, преград.
Не чувствуя за собой права говорить о Марине от первого лица, мы с благодарностью откликнулись на предложение ее друзей и коллег поделиться воспоминаниями. Так и появился этот текст — попытка через голоса тех, кто работал, учился и дружил с Мариной Соколовской, собрать живую память о ней.
Мы благодарим за помощь в подготовке материала Анну Филосян — культурного обозревателя из Екатеринбурга и автора телеграм-канала «Екатарсис», в котором вы сможете найти еще несколько воспоминаний о Марине. 

1 апреля 2025 года ушла из жизни Марина Соколовская — искусствовед, куратор, руководитель экспозиционно-выставочного отдела Музея Бориса Ельцина, преподаватель УрФУ имени Б. Н. Ельцина. Редакция «Артгида» была знакома с Мариной скорее заочно: мы встречались на конференциях и дискуссиях, следили за проектами и читали тексты друг друга, время от времени подступались к совместным материалам, которым так и не суждено было быть написанными. Не чувствуя за собой права говорить о Марине от первого лица, мы с благодарностью откликнулись на предложение ее друзей и коллег поделиться воспоминаниями. Так и появился этот текст — попытка через голоса тех, кто работал, учился и дружил с Мариной Соколовской, собрать живую память о ней.

Марина Соколовская. Задающая вопросы

На прошлой неделе ушел из жизни художник Илья Кабаков — ведущий представитель московского концептуализма и теоретик современного искусства. Вспоминая ключевые образы его работ, куратор и критик Валентин Дьяконов объясняет, почему Кабаков — автор XIX века и почему в том же веке живут многие современные художники.

Ушел из жизни художник Илья Кабаков — ведущий представитель московского концептуализма и теоретик современного искусства. Вспоминая ключевые образы его работ, куратор и критик Валентин Дьяконов объясняет, почему Кабаков — автор XIX века и почему в том же веке живут многие современные художники.

Илья Кабаков

Он улетел.

29 июля 2015 года на 89-м году жизни скончался один из любимых художников нескольких советских поколений Дмитрий Жилинский. Он не вписывался ни в одно из современных ему течений: в своих картинах, часто написанных темперой по левкасу, художник переосмыслял традиции древнерусской иконописи, Ренессанса, Северного Возрождения. В 2012 году с Жилинским встретился художественный критик Арсений Штейнер, которому удалось записать рассказ живописца о себе, своих учителях и своей эпохе. 

In memoriam. Дмитрий Жилинский

«10 июня коллекционеру Леониду Талочкину (1936–2002) исполнилось бы 90 лет. Пожалуй, только сейчас немного притупилась горечь утраты: до такого возраста доживают немногие, а значит, то, что случилось 2 мая 2002 года, все равно бы уже скорее всего произошло. Исчезло и чувство некоторой обиды, что он так рано нас покинул: мы ведь тогда, можно сказать, только начали, зачем он так с нами?» — Юлия Лебедева, хранитель и куратор музея «Другое искусство», в сентиментальном мемуаре рассказывает о главном коллекционере советского андеграунда. 

Талочкин. 90

In memoriam

До конца февраля 2025 года в екатеринбургском Ельцин Центре идет выставка «Двадцать один длинный, один короткий», где представлены работы из собрания московского коллекционера Антона Козлова. Это первый публичный показ коллекции, которая начала формироваться в 2019 году, но за пять лет выросла в образцово-показательное собрание советского нонконформизма и современного искусства. Главный редактор «Артгида» Мария Кравцова пригласила Антона, а также директора Московского музея современного искусства Василия Церетели и арт-консультанта Анастасию Карнееву обсудить специфику коллекционирования современного искусства в России 20-х годов XXI века.

Главный редактор «Артгида» Мария Кравцова пригласила коллекционера Антона Козлова, директора Московского музея современного искусства Василия Церетели и арт-консультанта Анастасию Карнееву обсудить специфику коллекционирования современного искусства в России 20-х годов XXI века.

коллекционирование в современной России

Круглый стол: 

Ретроспектива Виктора Попкова в Третьяковской галерее, несомненно, входит в число ключевых выставочных событий нынешнего сезона. Попков — один из главных послевоенных художников, лидер поколения, вышедшего на художественную сцену в конце 50-х годов, представителей которого советский критик Александр Каменский объединил понятием «суровый стиль». Главный редактор «Артгида» Мария Кравцова пригласила искусствоведов Фаину Балаховскую, Михаила Каменского и филолога Дмитрия Цыганова обсудить феномен Попкова в широкой перспективе — от советского до постсоветского времени, а также поговорить о том, как сегодня смотреть на отечественное искусство второй половины XX столетия и чего нам не хватает для этого.

Выставка Виктора Попкова, или как показывать советское послевоенное искусство

Круглый стол:

В сфере современного искусства и арт-критики выставки, работающие с историческим материалом — искусством до XIX века включительно, нередко воспринимаются как отдельный герметичный жанр, лишь отчасти относящийся к современному художественному процессу. Способ повышения эрудиции, своего рода ликбез по истории давно «нерелевантного» искусства — для многих они выполняют скорее образовательную функцию. Иван Ярыгин, Дмитрий Хворостов, Надежда Плунгян и Елизавета Лихачева поговорили о возникающем новом взгляде на искусствоведение, который прослеживается в некоторых выставках последнего десятилетия.

В сфере современного искусства и арт-критики выставки, работающие с историческим материалом — искусством до XIX века включительно, нередко воспринимаются как отдельный герметичный жанр, лишь отчасти относящийся к современному художественному процессу. Иван Ярыгин, Дмитрий Хворостов, Надежда Плунгян и Елизавета Лихачева поговорили о возникающем новом взгляде на искусствоведение, который прослеживается в некоторых выставках последнего десятилетия.

вглядываясь в искусствознание 2030-х годов

В издательстве Музея современного искусства «Гараж» вышла книга немецкого историка и теоретика искусства Ханса Бельтинга «История искусства после модернизма». В нашей стране Бельтинг является «непрочитанным» автором, что досадно еще и потому, что его размышления по поводу эволюции современного искусства, его началах и конце во многом оказались пророческими: сегодня мы живем в ситуации, буквально описанной немецким ученым более двадцати лет назад. Историк искусства Екатерина Андреева, художник Александр Дашевский, главный редактор «Артгида» Мария Кравцова и издатель Андрей Россомахин встретились в музее «Полторы комнаты» Иосифа Бродского в Санкт-Петербурге, чтобы не только обсудить основные идеи Бельтинга, но и поговорить о том, как издавать книги по теории искусства, а также о том, переводов каких изданий нам не хватает.

В нашей стране историк искусства Ханс Бельтинг является «непрочитанным» автором, что досадно еще и потому, что его размышления по поводу эволюции современного искусства, его началах и конце во многом оказались пророческими. Историк искусства Екатерина Андреева, художник Александр Дашевский, главный редактор «Артгида» Мария Кравцова и издатель Андрей Россомахин встретились, чтобы обсудить основные идеи Бельтинга и поговорить о том, как издавать книги по теории искусства.

Ханс Бельтинг и «конец истории искусства»

5 июня 2026 года в Центре современного искусства AZART открылась выставка Ани Желудь «Не тот горизонт» — уже третий посвященный художнице проект (после «Абзац» в PA Gallery и «Вдох выдох» в Мультимедиа Арт Музее, Москва) с момента ее скоропостижного ухода. Организаторы выставки — генеральный директор Музея AZ и ЦСИ AZART Наталия Опалева, коллекционер Сергей Александров и куратор Ирина Горлова — вместе с искусствоведом Дмитрием Белкиным обсудили, как личность художницы отражалась в творчестве, почему ее деятельность не исчерпывалась созданием собственных работ и какой Аню Желудь предстоит увидеть будущим исследователям и зрителям.

Аня Желудь как художница и личность

Круглый стол: «Гнуть свою линию».

На заре лета у белокаменных стен Зарайского кремля состоялась презентация Международной этнографической триеннале (МЭТ) — нового масштабного проекта на пересечении этнографии, антропологии и современного искусства. Призванная помочь людям лучше понимать друг друга, триеннале пока находится в начале пути: ее главная выставка запланирована аж на 2030 год, но уже сама подготовка к ней должна стать платформой для диалога между всеми группами, вовлеченными в проект: культурными сообществами, художниками, исследователями и широкой публикой. У каждой из них — свои интересы, ценности и ожидания. Как объединить их в одном проекте: сделать его увлекательным и доступным, при этом сохраняя научную точность и уважение ко всем представленным культурам? Как рассказывать, не упрощая и не экзотизируя? Чего сами сообщества ждут от сотрудничества с художниками и исследователями? Обо всем этом «Артгид» поговорил с кураторами МЭТ Еленой Юшиной и Мехрет Мандефро, директором Российского этнографического музея Юлией Купиной и директором Коломенско-Зарайского государственного музея-заповедника Кириллом Кондратьевым.

Международная этнографическая триеннале (МЭТ) — новый масштабный проект на пересечении этнографии, антропологии и современного искусства. Ее главная выставка запланирована на 2030 год, но уже сама подготовка к ней должна стать платформой для диалога между всеми группами, вовлеченными в проект: культурными сообществами, художниками, исследователями и широкой публикой.

Идеальное будущее Международной этнографической триеннале

Круглый стол: «Не навреди».

Круглый стол

Если мы измеряем событие публичной реакцией на него, то выход монографии Льва Данилкина «Палаццо Мадамы: Воображаемый музей Ирины Антоновой», посвященной директору (с 1961 по 2013 год) ГМИИ им. А. С. Пушкина, — главное художественное событие года. Баталии в соцсетях идут уже много недель и, кажется, не собираются прекращаться, а на телеканале «Культура» состоялась дискуссия, где уважаемые музейные работники бичевали автора за неточности, ошибки и неправильные выводы. Но то, что выход книги, посвященной человеку, которого уже нет с нами, имеет эффект разорвавшейся бомбы, диагностирует состояние культурного сообщества: с одной стороны, оно истосковалось по открытым обсуждениям, с другой — расколото как никогда прежде. «Артгид» надеется, что какой-то неведомый ему сетевой архивист уже взял на себя труд собрать если не все, то многие радикально противоположные мнения об этой книге. Мы же, для того чтобы зафиксировать дискуссию, заказали две рецензии на произведение Льва Данилкина — художественному критику Кире Долининой и исследователю, а в прошлом хранителю ГМИИ им. А. С. Пушкина Елене Шарновой.

То, что выход книги, посвященной человеку, которого уже нет с нами, имеет эффект разорвавшейся бомбы, диагностирует состояние культурного сообщества: с одной стороны, оно истосковалось по открытым обсуждениям, с другой — расколото как никогда прежде. О труде Льва Данилкина рассказывает исследователь, а в прошлом хранитель ГМИИ им. А. С. Пушкина Елена Шарнова.

«Палаццо мадамы»

Почему надо прочесть книгу Льва Данилкина

Что важнее для искусствоведа — открыть миру художника или приобрести виллу на деньги, заработанные на экспертных махинациях? Можно ли преуспеть и там и там? Елена Шарнова вспоминает самых ловких историков искусства и компромиссы, на которые они шли ради выгоды.

Вилла для искусствоведа

Пять лет назад в этот день, 21 декабря, из жизни ушел искусствовед, профессор Московского университета Михаил Алленов. После него остались книги, статьи, мало видеозаписей и много учеников, которым он смог привить не только любовь, но и особое, «алленовское», чувство и понимание искусства. Алленов обращался к разным темам, но почти всю жизнь размышлял о двух художниках — Михаиле Врубеле и Александре Иванове. Текст, которым мы хотим почтить память Михаила Михайловича, был написан в 2006 году, в честь 200-летнего юбилея со дня рождения именно Иванова. Но это вовсе не сочинение «к дате», а размышление о свободе и искусстве, которое очень актуально звучит и сегодня.

Блаженное наследство

Иванов.

Ирина Пивоварова прожила всего 47 лет, но успела создать множество произведений, которые очаровывают нас и сегодня. Однако при жизни художницы и поэтессы большая часть ее творчества так и не добралась до читателя: взрослые стихи писались в стол, рисунки оставались в семейном архиве, а роман «Круглое окно» она надиктовывала сыну уже умирая. «Артгид» решил разобраться во множестве событий творческой жизни Ирины Пивоваровой, неизвестных широкой публике, и в кочующих по немногочисленным биографическим справкам фактах.


«Артгид» разбирается во множестве событий творческой жизни Ирины Пивоваровой, неизвестных широкой публике, и в кочующих по немногочисленным биографическим справкам фактах.

Ирины Пивоваровой

Тихое и звонкое

«Поколение Икс, поколение Ноль», — сорок лет назад пел Виктор Цой. К этому поколению 80-х принадлежали и художники, обретавшие себя в «синтезе искусств» и новом «всёчестве». «Артгид» рассказывает историю художественного и музыкального ленинградского андеграунда последнего советского десятилетия.

Поколение Икс, поколение Ноль…

В гуманитарной сфере редактор часто воспринимается как непонятный персонаж. Зачем он нужен? Понятно, зачем нужен корректор: он исправляет опечатки и орфографические ошибки. А редактор — это вроде бы человек, который следит за соблюдением каких-то там «норм литературного языка», тычет автору в физиономию ошибки в фактах, датах, транскрипциях и еще все время пытается что-то сократить, взывая, как шаман, к количеству знаков и полос, — в общем, придирается. Лишнее звено. Как будто авторы и издатели сами не понимают, что такое хорошо и что такое плохо. Однако попробуйте что-нибудь опубликовать без присмотра редактора. «Давайте сперва отрежем ему голову и посмотрим, что получится». Екатерина Алленова — о повседневном редакторском героизме.

Екатерина Алленова — о повседневном редакторском героизме.

редактора текстов об искусстве

Десять заповедей

В поисках новых пластических и смысловых возможностей художники все чаще обращаются к текстилю и различным техникам работы с ним — ткачеству, вышивке, аппликации, вязанию и лоскутному шитью. Последнее проделало долгий путь от метода декорирования национального костюма и убранства до референса для европейского авангарда, плодовитого художественного медиума и тенденции в дизайне одежды, достойной быть музейным экспонатом. «Артгид» решил проследить этот путь в двухчастном материале.

Лоскутное шитье проделало долгий путь от метода декорирования национального костюма и убранства до референса для европейского авангарда, плодовитого художественного медиума и тенденции в дизайне одежды, достойной быть музейным экспонатом. «Артгид» решил проследить этот путь в двухчастном материале.

Часть I

Пэчворк и художественные практики.

В первой части материала, посвященного пэчворку и художественным практикам, «Артгид» проследил становление пэчворка от домашнего рукоделия до способа создания масштабных панно и инсталляций. В этот раз мы рассмотрим лоскутное шитье с точки зрения дизайна одежды, принципов устойчивого развития и выставок моды.

«Артгид» рассматривает лоскутное шитье с точки зрения дизайна одежды, принципов устойчивого развития и выставок моды.

Часть II

В конце восьмидесятых годов, когда «новое мышление» и политика гласности Михаила Горбачева изменили внешнеполитический курс Советского Союза, выставочная деятельность страны тоже дождалась перемен. В Москве, в Центральном доме художника прошла беспрецедентная серия моноэкспозиций крупных западноевропейских и американских художников, впервые в подобном объеме представленных советскому зрителю официально. Это были выставки Гюнтера Юккера, Фрэнсиса Бэкона, Жана Тэнгли, Гилберта и Джорджа, Роберта Раушенберга и ряда других авторов, чьи работы знали лишь немногие советские зрители, да и то по печатным репродукциям в зарубежных журналах и редким книгам из фондов библиотек иностранной литературы. Арина Левандовская рассказывает о том, как были подготовлены и проведены две ключевые выставки этой серии: персональная экспозиция Фрэнсиса Бэкона и проект «Зарубежные культурные обмены Раушенберга» Роберта Раушенберга.

 Выставки Фрэнсиса Бэкона и Роберта Раушенберга в СССР

Запад на Крымском Валу.

В продолжение дискуссии о культуре времени застоя искусствовед, старший преподаватель Иерусалимского университета Лёля Кантор-Казовская пишет, как складывался постмодернизм в художественной теории в России и на Западе, и исследует, работают ли сегодня (и если да, то как) позиции, сформировавшиеся в неофициальной среде еще в 1980-е годы.

Постмодернизм ушел — хотя не начался

Писательница Стефани Рене душ Сантуш, автор романа о португальской плитке и Лиссабонском землетрясении (Cut From The Earth, 2019), рассказывает об одном из самых необычных мотивов в истории глазурованной плитки азулéжу.

Figura de Convite, встречающая гостей

История португальской плитки: 

В День влюбленных «Артгид» вспоминает самых знаменитых муз в истории живописи с эпохи Возрождения до начала XX века. Кто они? Жены и любовницы, императрицы и проститутки… За изображениями подруг и вдохновительниц художников скрываются не только истории любви и поклонения, но порой и трагедии.

Краткая история

Музы художников

«Художники и деятели искусства — самая незащищенная профессиональная категория в наши дни», «художники и деятели искусства — прекариат», «художник ищет работу разнорабочего» — темы, которые постоянно всплывают в сетевых обсуждениях и личных беседах сегодня. Оглянемся назад и посмотрим, как жилось русским художникам в XIX веке. Екатерина Алленова вспоминает, сколько они зарабатывали и сколько тратили.

сколько стоили русские художники в XIX веке

Богатые бедные: 

Михаил Алленов о мухе Ильи Кабакова и словоизображении.

Апология мушиности


Сегодня искусство, созданное с помощью генеративных моделей, как правило, воспринимается упрощенно: ввел запрос — получил картинку. Никаких мук творчества, ни одной трудовой мозоли, наработанной многолетним совершенствованием мастерства, — машина все сделает сама. И это мы причисляем к искусству? Мухлеж, да и только! Но если отринуть предрассудки и присмотреться к работе художника с нейросетями внимательнее, все оказывается гораздо сложнее.

Сегодня искусство, созданное с помощью генеративных моделей, как правило, воспринимается упрощенно: ввел запрос — получил картинку. Никаких мук творчества, ни одной трудовой мозоли, наработанной многолетним совершенствованием мастерства, — машина все сделает сама. Но если отринуть предрассудки и присмотреться к работе художника с нейросетями внимательнее, все оказывается гораздо сложнее.

Иллюзия обмана

Социальные сети и медиа чуть ли не ежедневно сообщают о появлении нового художественного объединения, мастерской или галереи. Но что происходит после первых постов и открытий? Далеко не всем удается сохранить изначальный импульс и азарт коллективного творчества и создать устойчивое сообщество. Нижегородская студия «Тихая» прошла этот путь и оформила его в десять простых, но рабочих принципов.

Десять заповедей студии «Тихая»

Какие ассоциации возникают у вас со словом «передвижники»? Какой колорит, какие сюжеты и типажи встают перед вашим «внутренним взором», когда вы слышите имена Ильи Репина, Николая Ге, Николая Касаткина? Оборванные, обессилевшие бурлаки, почерневший от пытки Христос, сироты у родительской могилы… «кнутом истерзанная муза» и пресловутая «правда жизни». А каковы были отношения передвижников с искусством предыдущих эпох? Чему они посвящали время в своих пенсионерских поездках и сказали ли хоть одно доброе слово об истории искусства? Куда стремилась их душа и где радовался глаз? Екатерина Алленова (1966–2021) выяснила, любили ли передвижники хоть что-нибудь.

Что любили передвижники? 

Выставка «Татлин. Конструкция мира» в Центре «Зотов» — несомненно, одно из самых ярких художественных событий этого года. Теоретик и практик нового искусства представлен более чем 200 произведениями — от авангардных экспериментов до живописи 1940-х годов, и кажется, впервые показан в таком объеме. Но глаз «Артгида» зацепился не за контррельефы или, казалось бы, необычные для татлинской «конституции» цветочные натюрморты, а за небольшую фотографию, на которой за Татлина агитировали немецкие дадаисты. Влияние идей и экспериментов Владимира Евграфовича на мировое искусство, как ни странно, не самая разработанная тема в отечественной историографии. Искусствовед и куратор Сергей Фофанов взялся исправить это и проследить путь идей Татлина в международном контексте, а «Артгид» стал площадкой, на которой будет представлено это многочастное исследование.

Влияние идей и экспериментов Владимира Татлина на мировое искусство, как ни странно, не самая разработанная тема в отечественной историографии. Искусствовед и куратор Сергей Фофанов взялся исправить это и проследить путь идей Татлина в международном контексте.

Татлин. В начале было имя…

Для многих людей искусства 2020 год проходит под знаком ВХУТЕМАСа — новаторской школы, «нашего Баухауса», творческой лаборатории, с которой началась, пожалуй, самая масштабная в истории нашей страны реформа художественного образования. На протяжении всего года появляются издания, публикации и выставочные проекты, посвященнные преобразующей силе педагогических идей, родившихся в стенах этого учебного заведения. «Артгид» хотел бы напомнить о явлении не менее заметном — Казанских архитектурно-художественных мастерских (АРХУМАС), где разработанная в Москве методология соединилась с особенностями местной художественной школы.

Высшие художественно-технические мастерские в Москве стали одним из самых радикальных образовательных проектов 1920-х годов, задав новую модель подготовки художников, ориентированную на синтез искусства и производства. Их краткая, но насыщенная история оказала влияние далеко за пределами столицы: по всей стране возникали локальные школы, где идеи авангарда адаптировались к региональному контексту и соединялись с практическими задачами новой эпохи. Об одной из таких школ — Казанских архитектурно-художественных мастерских (АРХУМАС) — вспоминаем в этом материале.

Свободные мастерские в Казани

Станет ли коронавирус новым понятием в языке культурной критики искусства? Ответ на этот вопрос — в конце статьи, в которой Лёля Кантор-Казовская, завершая трилогию эссе о постмодернизме, застое и официальном и неофициальном искусстве в СССР, рассуждает о фундаментальной ошибке, произошедшей при апроприации постмодерной теории в России, и о том, как вписать в общую историю искусства официальное и неофициальное направления советского периода.

Завершая трилогию эссе о постмодернизме, застое и официальном и неофициальном искусстве в СССР, Лёля Кантор-Казовская рассуждает о фундаментальной ошибке, произошедшей при апроприации постмодерной теории в России, и о том, как вписать в общую историю искусства официальное и неофициальное направления советского периода.

О блеске и нищете искусства — на фоне пандемии 

В 2014 году Музей «Гараж» издал книгу Виктора Мизиано «Пять лекций о кураторстве», в основу которой лег лекционный курс, прочитанный двумя годами ранее в московском институте УНИК (Институт истории культур). Тогда автор кратко и емко изложил свои представления о системе искусства, кураторстве как нематериальном производстве и деятельности, которая разворачивается между глобальным и локальным, рассказал о типологии и грамматике выставок, а также о кураторской этике. В предисловии ко второму изданию, вышедшему в 2021 году, Мизиано обмолвился, что многое из того, о чем он говорил в начале десятых, уже не вполне созвучно актуальным умонастроениям и его собственным практикам. Прошло еще четыре года, и «Артгид» обратился к Виктору с просьбой прочесть его сотрудникам шестую лекцию о кураторстве, в которой были бы артикулированы изменения, которые за почти 15 лет произошли как в его деятельности, так и в мире искусства в целом. Так родился этот материал, которым мы сегодня делимся с нашими читателями. А увидеть, как современные идеи Виктора преломляются в практике, можно в Доме культуры «ГЭС-2», где до середины ноября идет выставка «Ольга Чернышева. Улица сна».

В 2014 году Музей «Гараж» издал книгу Виктора Мизиано «Пять лекций о кураторстве», в основу которой лег лекционный курс, прочитанный двумя годами ранее в московском институте УНИК (Институт истории культур). Тогда автор кратко и емко изложил свои представления о системе искусства, кураторстве как нематериальном производстве и деятельности, которая разворачивается между глобальным и локальным, рассказал о типологии и грамматике выставок, а также о кураторской этике. В предисловии ко второму изданию, вышедшему в 2021 году, Мизиано обмолвился, что многое из того, о чем он говорил в начале десятых, уже не вполне созвучно актуальным умонастроениям и его собственным практикам. Прошло еще четыре года, и «Артгид» обратился к Виктору с просьбой прочесть его сотрудникам шестую лекцию о кураторстве, в которой были бы артикулированы изменения, которые за почти 15 лет произошли как в его деятельности, так и в мире искусства в целом.

«Поэтический монтаж» Виктора Мизиано

Профессию реставратора часто романтизируют. В представлении большинства реставратор — нечто среднее между волшебником, способным одной каплей чудодейственного зелья устранить трещину на картине, и художником, дорисовывающим утраченные фрагменты в полумраке своей мастерской. Однако в жизни все гораздо сложнее. Реставратор должен совмещать в себе массу профессий: художника, химика, биолога, технолога, искусствоведа, историка, археолога, ремесленника. Его действия строго регламентированы не только государственными законами, но и профессиональной этикой. От решений, которые принимает реставратор, зависит, каким будущие поколения увидят произведение искусства — и увидят ли вообще… О незримом труде, повседневном героизме и профессиональной этике рассказывает художник-реставратор Музея современного искусства «Гараж» Анна Брант.

В представлении большинства реставратор — нечто среднее между волшебником, способным одной каплей чудодейственного зелья устранить трещину на картине, и художником, дорисовывающим утраченные фрагменты в полумраке своей мастерской. Однако в жизни все гораздо сложнее. О незримом труде, повседневном героизме и профессиональной этике рассказывает художник-реставратор Музея современного искусства «Гараж» Анна Брант.

Десять заповедей реставратора

Алексей Гастев (1882–1939) был одним из наиболее радикальных и влиятельных мыслителей своего времени, однако в годы Большого террора память о нем практически уничтожили. До 24 ноября в галерее «На Шаболовке» открыта выставка «Гастев. Как надо работать», рассказывающая о его творчестве и теории научной организации труда. Этот проект встраивается в ряд инициатив, призывающих вернуть фигуру Гастева в современный контекст — среди них можно выделить, например, Гастевские чтения. «Артгид» рассказывает, кем был Алексей Гастев и почему его идеи востребованы до сих пор.

Алексей Гастев (1882–1939) был одним из наиболее радикальных и влиятельных мыслителей своего времени, однако в годы Большого террора память о нем практически уничтожили. «Артгид» рассказывает, кем был Алексей Гастев и почему его идеи востребованы до сих пор.

Мускулы и нервы пролетариата


Выставочный проект «Авангард. На телеге в XXI век», впервые показанный в Екатеринбурге два года назад, наконец добрался до Москвы. Экспозиция разместилась в Музее русского импрессионизма и будет доступна до конца мая 2022 года. Вслед за двухчастной выставкой под кураторством Андрея Сарабьянова «До востребования. Коллекции русского авангарда из региональных музеев» проект продолжает исследовать крайне важную для современной художественной ситуации тему — экспансию новаторского искусства в регионы. В этой связи «Артгид» рассказывает историю передвижных выставок русского авангарда и напоминает о других инициативах начала XX века, которые существенно повлияли на региональные художественные процессы. Материал подготовлен в рамках совместного проекта, осуществляемого «Артгидом» и Благотворительным фондом Владимира Потанина и посвященного развитию культуры и культурных инициатив в регионах.

История русского авангарда — это не только череда громких имен и художественных открытий, но и масштабный эксперимент по распространению нового искусства за пределы столиц. Инструментами этого движения стали передвижные выставки, гастрольные турне поэтов и создание локальных художественных инициатив. Многие из них, однако, были  прерваны обстоятельствами, а их наследие — частично утрачено или рассеяно по региональным музеям. Как формировалась культурная карта страны, вспоминаем в материале.

русский авангард за пределами столиц 

Скрипит телега колесом: 

Уолтер де Мария (1935–2013) — художник, скульптор, ленд-артист, автор больших концептуальных инсталляций. «Артгид» рассказывает о пяти работах, ставших поворотными точками в его творчестве.

пять главных инсталляций

Уолтер де Мария: 

Пандемия коронавируса вынудила культурные институции перейти в режим непрерывного производства образовательной и развлекательной продукции. Встречаются среди этих материалов и проекты, призванные поддержать тех, кто испытывает психологические трудности, будучи запертым в четырех стенах. Несмотря на то, что арт-терапию нельзя назвать новым изобретением, она по сей день окружена множеством стереотипов. Что искусство может рассказать о человеке? Должен ли арт-терапевт быть художником? А пациент? Чем арт-терапевты занимаются в музеях и зачем это нужно? «Артгид» изучил историю вопроса.

Несмотря на то, что арт-терапию нельзя назвать новым изобретением, она по сей день окружена множеством стереотипов. Что искусство может рассказать о человеке? Должен ли арт-терапевт быть художником? А пациент? Чем арт-терапевты занимаются в музеях и зачем это нужно? «Артгид» изучил историю вопроса.

Искусство против стресса

Как правило, абстрактное искусство, возникшее в СССР в эпоху оттепели, рассматривается лишь как довольно краткий этап стремительной истории искусства — шаг в сторону эмансипации от соцреализма, открывший дорогу к (московскому) концептуализму. Невнимание к абстракции и представление о ней как о коротком промежутке между войной и новыми движениями в современном искусстве (поп-арт, минимализм, концептуализм и т. д.) характерно не только для изучения советского искусства. Тем не менее возможен иной взгляд, смещение фокуса, что позволит не просто внимательнее отнестись к отдельному явлению — послевоенной советской абстракции, но использовать ее как отправную точку для разговора о механизмах, с помощью которых вообще возникало неофициальное искусство в позднем СССР.

Как правило, абстрактное искусство, возникшее в СССР в эпоху оттепели, рассматривается лишь как довольно краткий этап стремительной истории искусства — шаг в сторону эмансипации от соцреализма, открывший дорогу к (московскому) концептуализму. Тем не менее возможен иной взгляд, смещение фокуса, что позволит не просто внимательнее отнестись к отдельному явлению — послевоенной советской абстракции, но использовать ее как отправную точку для разговора о механизмах, с помощью которых вообще возникало неофициальное искусство в позднем СССР.

Новое начало

«Орден непродающихся живописцев» находится у истоков советского неофициального искусства — они не просто оказались за бортом официальной советской художественной системы, но и первыми образовали небольшой, яркий круг друзей, микросообщество, оказавшее глубокое влияние на ленинградскую и советскую культуру последующих десятилетий. Сегодня обращение к этому явлению — и к одному из ярких его представителей, Валентину Громову, умершему в октябре 2022 года, — может помочь в том, чтобы задавать точные и важные вопросы советской культуре, а также иначе представить себе парадигму, в которой существует современное искусство.

первая послевоенная группа советских нонконформистов

Круг Громова: 

Пережившая сексуальное насилие художница-феминистка аж XVII века — уже одно это способно привлечь внимание. А эта очень популярная при жизни караваджистка переписывалась с Галилеем, дружила с Ван Дейком, была принята во Флорентийскую академию живописи.

первая феминистка

Артемизия Джентилески: 

До открытия 58-й Венецианской биеннале осталось несколько дней. Для тех, кто поедет в Венецию и кто останется, для продвинутых и начинающих Екатерина Лазарева превратила историю Венецианской биеннале в урок итальянского языка. 

Для тех, кто поедет на Венецианскую биеннале, для продвинутых и начинающих Екатерина Лазарева превратила историю биеннале в урок итальянского языка. 

Итальянско-русский словарь Венецианской биеннале

Видит и слышит ли музей своих посетителей — тема, которую любят обсуждать между собой как любители искусства, так и профессионалы. И в последние годы все сходятся во мнении, что музей должен стать более демократичным и открытым для публики (а значит — более лояльным к ее потребностям и снисходительным к ее причудам). Если раньше пообщаться с музеем можно было разве что с помощью «Книги отзывов», то с появлением интернета достаточно удобно устроиться в кресле и войти в раздел «Обратная связь» (который заменил открытые форумы) на сайте любимого музея, чтобы написать и отправить ему послание, жалобу, рационализаторское предложение или просто признание в любви (что тоже нередко случается). С любезного разрешения пресс-службы ГМИИ им. А.С. Пушкина «Артгид» делится со своими читателями стихами, новыми атрибуциями, жалобами на пельмени в буфете, ценными и не очень советами, а также многим другим, что получил за последние месяцы один из лучших московских музеев от своих преданных поклонников и строгих критиков. Личные данные корреспондентов изменены. Орфография и пунктуация сохранены.

18 мая отмечается Международный день музеев. Поздравляя коллег с профессиональным праздником, мы решили достать из архивов материал, который отлично доказывает: профессионализм музейщика измеряется не только блестящими выставками, но и умением невозмутимо реагировать на претензии к очередям в буфет. 

Смотрителям — зачет!

Участие российского павильона в Венецианской биеннале 2026 года вызвало яростные дискуссии, однако лишь единицы из дискутирующих попытались разобраться, каким было представленное в нем искусство. Впрочем, даже тем, кто успел увидеть проект лично (сейчас в стенах павильона можно ознакомиться только с его документацией), было непросто составить целостное впечатление: для этого потребовалось бы прослушать все восемь часов музыкальной программы — от тувинского горлового пения и плачей народа коми до латиноамериканского клубного саунда и современных академических композиций. Автор статей, заметок и эссе о музыке Олег Соболев помогает разобраться в многоголосии павильона и объясняет, почему сегодня именно такая музыка оказывается адекватным современности высказыванием о времени, России и мире. А «Артгид» на эксклюзивной основе представляет видеофрагменты всех прозвучавших в павильоне произведений.

Участие российского павильона в Венецианской биеннале 2026 года вызвало яростные дискуссии, однако лишь единицы из дискутирующих попыталась разобраться, каким было представленное в нем искусство. Впрочем, даже тем, кто успел увидеть проект лично (сейчас в стенах павильона можно ознакомиться только с его документацией), было непросто составить целостное впечатление: для этого потребовалось бы прослушать все восемь часов музыкальной программы — от тувинского горлового пения и плачей народа коми до латиноамериканского клубного саунда и современных академических композиций. Автор статей, заметок и эссе о музыке Олег Соболев помогает разобраться в многоголосии павильона и объясняет, почему сегодня именно такая музыка оказывается адекватным современности высказыванием о времени, России и мире. А «Артгид» на эксклюзивной основе представляет видеофрагменты всех прозвучавших в павильоне произведений.

программа российского павильона на Венецианской биеннале

Рейв, плач и ритуал: 

«Левый МОСХ» — для одних это воплощение фальши позднесоветской культуры, для других, наоборот, квинтэссенция ее ценностей, сложно организованных вокруг таких понятий, как «идеал», «наследие» и «человек». Но что в действительности представлял собой этот феномен, кого из художников можно причислить к «левому МОСХу», каковы были их идеалы и как сложились их визуальный канон и язык? На все эти вопросы пока нет ответов. Молодой искусствовед и критик Юлия Тихомирова символически «распечатывает» тему, к которой не хотели или боялись прикасаться ее старшие коллеги, и предлагает читателям «Артгида» свое видение и интерпретацию этого сложного художественного феномена.

Laterna magica, или Машина зрения и гиперреальность левого МОСХа

Вошедший в Музей «Гараж» посетитель почти мгновенно, сам того не желая, попадает в машину времени, которая переносит его в 90-е годы прошлого столетия, из переполненного нарядной публикой современного Парка Горького в заплеванный подземный переход где-нибудь на Пушкинской. Нищие, менялы, торговцы никому не нужной ерундой или газетами, уличные музыканты и продрогшая панкующая молодежь, иногда «приличные» прохожие — персонажи развернутой в атриуме музея инсталляции Татьяны Назаренко. Стоп! Назаренко? Еще пять лет назад ее совершенно невозможно было представить в «Гараже». Что случилось? Арт-критик Юлия Тихомирова размышляет, как и почему художница, никогда не принадлежавшая к лагерю contemporary art, вдруг оказалась органична месту — музею современного искусства, и времени — середине 20-х годов XXI века. 