Выставки недели в Москве: выбор «Артгида». Март 2024
В столице — закат утопии, две большие ретроспективы и Мейерхольд. Что еще? Читайте в нашем дайджесте.
Фрагмент экспозиции выставки «Закат в сто сорок солнц» в Доме культуры «ГЭС-2». Фото: Даниил Анненков. Москва, 2023. Courtesy «ГЭС-2»
Закат в сто сорок солнц
Дом культуры «ГЭС-2»
Название выставки «Закат в сто сорок солнц» отсылает к первым строкам стихотворения Владимира Маяковского «Необычайное приключение, бывшее с Владимиром Маяковским летом на даче». Приближение к Солнцу сравнимо с приближением будущего: для поэта и его современников это было частью большой мечты. Научная фантастика и футурология пророчили покорение космоса, заселение дальних галактик и новую жизнь в неизведанных мирах. Спустя десятилетия пафос космической темы померк на фоне геополитических и экономических потрясений. Художники рубежа XX–XXI веков уделяют больше внимания критическим высказываниям, чем героико-утопическим фантазиям.
Выставка состоит из четырех тематических разделов. Первый, самый большой — «Наш век» — посвящен бурному развитию космической отрасли и технологическому прогрессу в работах советских художников 1960–80-х годов. Среди них участники Лианозовской школы, групп «Коллективные действия», «Движение» и «Живописное возрождение», круг художников журнала «Знание — сила». Раздел «Эскизы будущего» состоит из произведений самых разных художников, которые мечтали о космическом «завтра»: например, супрематизм Малевича соседствует с русским космизмом Василия Чекрыгина. «Ядро» экспозиции — обособленное пространство, напоминающее космолет или усеченную пирамиду. Внутри него (как на МКС) представлены проекты современных художников из разных стран, частично созданные специально для выставки: видеоинсталляции тайванки Ин-Ю Чен и албанского драматурга Армандо Лулая, объект Валерия Кошлякова, фильм ганской художницы Нуотамы Фрэнсис, мультимедийная инсталляция Антона Ольшванга. Завершает выставку небольшой раздел «На краю утопии» с работами Франциско Инфанте-Арана, Ильи и Эмилии Кабаковых, Юрия Соболева (Нолева) — представителей круга советских неофициальных художников. Они напоминают, что всякое небесное тело и всякая утопия имеют свой срок жизни.
Павел Филонов. Художник Мирóвого расцвета
Парк «Зарядье»
«Вулкан погибших сокровищ, Великий художник, Очевидец незримого, Смутьян холста», — так о Павле Филонове писал поэт и его близкий друг Алексей Крученых. Сам художник называл себя исследователем. Он разрабатывал концепцию «аналитического искусства», согласно которой каждое прикосновение к холсту — «единица действия», а атом всегда действует формой и цветом одновременно. Филонов создавал живопись как живое тело, пульсирующую материю с внутренней энергией.
Выставки работ Павла Филонова можно пересчитать по пальцам одной руки. Экспозиция 1929 года в Русском музее после нескольких ограниченных «общественных просмотров» так и не открылась для публики и повлекла за собой травлю художника. Открытие Филонова случилось в 1981 году, спустя сорок лет после его смерти, на выставке «Москва — Париж», когда имя живописца прозвучало уже на европейском уровне. Первая ретроспектива в СССР состоялась в 1988 году в Русском музее. Еще одна — там же в 2006-м.
На ретроспективе в «Зарядье» показано свыше щестидесяти живописных и графических произведений мастера, которые представляют разные этапы становления его художественного метода: от цикла картин «Ввод в Мирóвый расцвет» 1910-х годов до последней работы «Лики» (1940). Экспозиция дополнена аннотациями и статьями самого Филонова.
Егор Кошелев. Гештальт художника или внезапная ретроспектива
Московский музей современного искусства, Гоголевский
Mid-career artists — абстрактный, но все же применяющийся в профессиональном сообществе термин. Он используется для обозначения художников, которые пусть уже не 20-летние выпускники художественных академий, но и еще не попали в ранг established. Не так часто mid-career artists удостаиваются ретроспективных выставок, но Егор Кошелев — исключение. В экспозиции представлено более восьмидесяти его произведений: графика, живопись, объекты и скульптуры разных лет, а также инсталляции, созданные специально для выставки.
На формирование художественного языка Кошелева повлияли монументальное академическое образование и ранние эксперименты с граффити. Узнаваемые образы из истории искусства от Ренессанса до современного кино и персонажи массовой культуры становятся частью сюрреалистических сюжетов. Кошелев продолжает работать с проблемой места художника в мире. Его альтер эго «Последний художник», часто возникающий в произведениях, символизирует бесконечные метания и творческие искания всех художников, которые мечтают о славе, признании и задаются вопросом о том, есть ли у их работы цель.
Биомеханика Мейерхольда. Актер. Кукла
Галерея «На Шаболовке»
Всеволод Мейерхольд, задумывая амбициозную программу по переустройству театра, нуждался в новых актерах. Его понимание сущности исполнительского искусства было связано с концепциями «потока сознания» и физиологической природы эмоций, а также предполагало координацию уровней творческого процесса: мысль — движение — эмоция — слово. В качестве примера максимальной выразительности он приводил состоящую из головы и платья в виде перчатки куклу би-ба-бо: при одной и той же застывшей маске кукла может передать любую эмоцию через пластику тряпичного тела. Однако Мейерхольд не стремился сделать из актеров марионеток, а желал добиться от них математической точности и выверенности движений.
Выставка представляет собой художественно-исследовательскую «лабораторию кукольного жанра», рассматриваемого в контексте концепции «биомеханики» Мейерхольда на материалах Музея Театра кукол им. С.В. Образцова. Среди экспонатов — деревянный Буратино из фильма «Золотой ключик» (1939), портрет Мейерхольда с дарственной надписью Сергею Образцову, перчаточные, тростевые и биомеханические куклы 1930–40-х годов. Театральный музей Бахрушина предоставил уникальные кадры кинохроники и фотографии конца 1920-х годов, на которых ученики Мейерхольда демонстрируют биомеханические этюды, а Центральная научная библиотека СТД — книгу о кукольниках, привезенную режиссером в подарок Сергею Образцову из Праги.
Группа «13». В переулках эпохи
Музей русского импрессионизма
Группа «13» получила свое название по числу участников первой выставки, прошедшей в Москве в 1929 году. Хотя объединение просуществовало всего три года, дружба и совместные художественные поиски продолжались до 1970-х. Лирики и документалисты, члены группы не поддержали опыты авангардистов и дистанцировались от задач пролетарского искусства, перерабатывая приемы мастеров прошлых эпох и европейского модернизма.
Выставка в Музее русского импрессионизма — масштабный проект, который рассматривает не только живописные эксперименты «13» в рамках группы, но и работы участников, в том числе графику и книжную иллюстрацию, послевоенного времени. В экспозицию вошло более 300 произведений графики, живописи, декоративно-прикладного искусства и книг из 17 музеев и 18 частных коллекций.
В десяти тематических разделах представлены работы основных участников объединения, среди которых Владимира Милашевский, Даниил Даран, Татьяна Маврина, Николай Кузьмин, Надежда Удальцова и Александр Древин. Подобранные для выставки работы и устройство экспозиции дают представление не только о ключевых идеях и стремлениях художников, но и о географии объединения. Часть экспозиции посвящена ленинградскому кругу поэта Михаила Кузмина и художникам-самоучкам Юрию Юркуну и Ольге Арбениной-Гильдебрандт. Приглашенный куратор выставки Надежда Плунгян дополнила рассказ о группе произведениями Эдгара Дега, Жан-Франсуа Милле и Отона Фриеза, значительно повлиявших на метод и подход группы «13».
