«Музея современного искусства, равного по количеству первоклассных произведений, не существует ни в одной стране»
Какими были художественная жизнь и критика в России сто, пятьдесят или двадцать лет назад, в 1917, 1924, 1941, 1962, 1974, 1989 или 1991 годах? Что обсуждали художники и интеллектуалы в узком кругу и на страницах печатных изданий? Всему этому посвящена наша рубрика «Архив», в которой мы публикуем неизвестные (или известные лишь специалистам) документы, фотографии, мемуары, тексты и дискуссии, которые, как мы надеемся, помогут нашим читателям лучше представлять и понимать интеллектуальную атмосферу советской эпохи — от революции 1917 года до распада Советского Союза в 1991-м. Сегодня мы публикуем главу из путеводителя «Музеи и выставки Москвы», составленного Д. Л. Малиновским и увидевшим свет в издательстве «Московский рабочий» в 1947 году, посвященную Государственному музею нового западного искусства.
Один из залов Государственного музея нового западного искусства. Конец 1930-х. Источник: surfingbird.ru
Государственный музей нового западного искусства[1]
Кропоткинская ул., д. № 21; тел. Г6-71-17
Музей создан в первые дни Великой Октябрьской революции на базе собраний Щукина С. И., начавшего свою коллекционерскую деятельность в 90-х годах XIX в., и Морозова И. А., приобретения которого относятся к 1904–1914 гг.
Национализированные в 1918 г. коллекции Щукина и Морозова весною 1919 г. были открыты для посетителей как два отделения Музея новой западной живописи. С 1928 г. художественные ценности обоих отделений были соединены в одном здании под именем Государственного музея нового западного искусства. В дальнейшем собрание произведений западноевропейского искусства непрерывно пополнялось. В музее вновь созданы отделения графики и полиграфии.
Сейчас в Государственном музее нового западного искусства представлены произведения художников (начиная с 60-х годов XIX в. до наших дней) не только почти всех стран Западной Европы, но также многих художников США, Канады, Мексики, Бразилии. Музея современного искусства, равного по полноте, систематичности подбора материала и по количеству первоклассных произведений Московскому музею не существует ни в одной стране.
Главную гордость музея составляет его французский отдел, заслуженно пользующийся широкой мировой славой. Ценность этого отдела заключается в полноте, с какой представлены в нем основные направления французского искусства второй половины XIX и начала XX в. до Первой мировой войны, а также в высоком достоинстве большинства находящихся в нем работ. Они не только типичны для определенных этапов творчества художников, но часто являются их общепризнанными шедеврами. По полноте французского отдела с ним могли до сих пор конкурировать в Европе только Лувр и Люксембург вместе взятые, но и то лишь в отношении количества работ некоторых художников (Клод Моне, Ренуар, Дега), значительно уступая в отношении других (особенно Сезанна, Гогена, Ван-Гога).
В Америке Московский музей нового западного искусства опередил собрание Барнеса в Мерион, близ Филадельфии, но лишь по количеству, а не качеству работ. Начав собирать недавно, доктор Барнес уже не смог приобрести столько первоклассных произведений, сколько это удалось сделать московским коллекционерам в начале XX века.
С французским искусством XIX в. в Музее нового западного искусства мы начинаем знакомство с произведений так называемых «Художников французских салонов». Для них характерным является значительное техническое мастерство и стремление к нарядности, к внешней эффектности произведений, что порой достигается ими за счет снижения интерес к внутренней глубине образа.
Из работ данной группы в музее представлены произведения Шаплена, Кабанеля и др. Особенно выделяется своим тонким живописным мастерством «Женский портрет» Рикара.
Среди художников, требовавших от искусства прежде всего жизненной правды и глубокой социальной значимости, в XIX в. во Франции первое место принадлежит Г. Курбе (1819–1877). Его небольшой холст «Хижин в горах» является одним из украшений музея.
Работы художников Будена и Ионкинда свидетельствуют о растущем в середине XIX в. в западноевропейском искусстве интересе к передаче света и воздуха. В 70-х годах эти живописные проблемы получили наиболее полное выражение в творчестве-художников-импрессионистов[2]. Ведущие мастера импрессионизма — К. Моне, Ренуар, Писсаро, Сислей — исключительно полно представлены в музее.
Художников-импрессионистов увлекла передача своих непосредственных зрительных впечатлений окружающей их реальной действительности. Они стремились передать эти впечатления во всем своеобразии данного быстро зафиксированного ими мгновения. Это придает особую жизненную трепетность их произведениям.
Так как в восприятии природы значительную роль играет освещение и состояние атмосферы, то художники-импрессионисты уделяют их передаче особое внимание, прибегая порою к многократным изображениям одних и тех же мотивов, зрительное впечатление от которых меняется в зависимости от солнечного освещения в различное время дня. (Характерны в этом отношении произведения К. Моне «Руанский собор» и др.)
Стремя к наиболее точной передаче окраски предметов и игры на них солнечных бликов, художники-импрессионисты стали употреблять лишь спектральные цвета, комбинируя из них все остальные.
Достижениями импрессионистов являются выразительная передача динамики природы, ее постоянной изменяемости, ее бесконечного многообразия, а также создание полных динамики сцен современной им жизни. Наиболее характерными произведениями являются: «Бульвар капуцинов», «Скалы в Бель-Иль, «Скалы Этрета» Клода Моне (1840–1926), «Оперный проезд» Писсаро, «Деревня на берегу Сены» Сислея.
О. Ренуара (1841–1919) интересует больше изображение человека. Часто он изображает его на воздухе, также уделяя много внимания передаче игры солнечных бликов («В саду»).
Ренуар один их наиболее совершенных живописцев XIX в. Особенным живописным мастерством отличается его «Эскиз к портрету артистки Жанны Самари», а также «Обнаженная», в которой он передал игру цветовых рефлексов на теле женщины.
Характерною для импрессионизма является картина Ренуара «Девушки в черном», в которой подчеркнута мгновенность передаваемого впечатления и игра световых бликов на черных одеждах, написанных художником различными цветами спектра.
Эдгара Дега (1834–1917) особенно интересует передача движения человека («После ванны»). Он уделяет также много внимания созданию такой композиции, которая производила бы впечатление «случайности». Это придает особую правдивость его сценам, кажущимся как бы выхваченным из самой жизни («Танцовщицы на репетиции»). Колорит Дега, работавшего часто пастелью, отличается выразительностью и ритмической сгармонированностью линий («За туалетом»).
Наряду с живописными произведениями второй половины XIX в. музей обладает рядом интересных скульптур этого же периода, среди которых работы виднейшего французского скульптора XIX в. О. Родена (1840–1913). Особенно выразительна фигура «Гражданина города Кале», одна из шести фигур памятника, созданного Роденом по заказу муниципалитета города.
Работы скульпторов Камиллы Кладель, Поль Полена и Гино характерны для развития французской скульптуры конца XIX века.
Московское собрание работ П. Сезанна (1839–1906) является одним из лучших в мире по качеству представленных в нем работ этого художника. Особенностью творчества Сезанна является его стремление к созданию законченной картины, обобщающей отдельные впечатления в целостный образ. Этим он существенно отличается от импрессионистов. Его интересуют в природе ее неизменные черты, не зависящие ни от случайности освещения, от атмосферных явлений. Он ищет основных форм предметов, стремясь к их закономерному, ритмическому сочетанию в картине (натюрморт «Персики и груши»).
Сезанн использовал колористические приемы импрессионистов, достигнув этим значительной звучности и сгармонированности красок. Но его отличает от импрессионистов стремление выявить цветом объемность, трехмерность предметов, не передать игру света на их поверхности и окружающий их воздух.
Наряду с такими исключительными по своим живописным достоинствам произведениям, как «Берега Марны», в котором художник соединяет глубину чувства природы с большими живописными произведениями, в музее представлены также «Пьеро и Арлекин», «Дама в голубом» и др., в которых уже ясно намечаются попытки художника схематизировать формы предметов. Со временем формы у Сезанна делаются все более абстрактными, приближаясь к простым геометрическим фигурами, из которых он стоит интересующие его ритмически сгармонированные композиции. Сезанн оказал огромное влияние на развитие живописи на Западе.
Такой второй коллекции произведений Поля Гогена (1848–1903), как коллекция, принадлежащая Музею нового западного искусства, больше не существует нигде. Особенно полно показаны работы художника, созданные им на острове Таити в Полинезии, куда он уехал в поисках новых оригинальных тем, давших возможность развернуться в полной мере его замечательным декоративным способностям («А ты ревнуешь», «Пейзаж с павлинами», «Женщина, держащая плод», «Большое дерево», «Сбор плодов»).
Гоген в своем творчестве выступает против эскизности импрессионистов, призывая художников к созданию глубоких, содержательных образов. Сам он все более увлекался символическими темами, которые порою приобретали у него религиозный характер, особенно в конце жизни («Жена короля», «Идол», «Великий Будда»).
Ван-Гог (1853–1880) стремился передать те субъективные чувства, которые возникали у него при восприятии им природы или явлений социальной жизни. Выразительностью цвета, линий, композиции, своеобразием поверхности картины художник хотел подчинить зрителя и заставить его пережить те же ощущения, что испытывал он сам. Для этого же он изменяет и реальные формы предметов. Деформации у Ван-Гога порою приобретет очень острый характер. Особенно типичны его «Красные виноградники», «После дождя». Работа, не знающая меры, напряженность душевных переживаний приводят художника к психической болезни. Находясь в психиатрической лечебнице, Ван-Гог пишет одну из лучших своих картин — «Круг заключенных». Это картина хотя и является живописной «копией» с гравюры Г. Доре из книги «Лондон», но она наполнена столь остро выраженными собственными настроениями художника, что является вполне самостоятельным произведением.
Группа художников-неоимпрессионистов представлена в музее работами Синьяка и Кросса. Эти художники пытались разрешать живописные задачи, опираясь на данные науки в области анализа солнечного луча. Они употребляли лишь чистые спектральные цвет, избегая какого-либо смешения их на холсте, вносящего серый тон, и как бы, повторяли разложение солнечного луча через призму, почему и получили еще название дивизионистов[3].
Равномерные пятна цвета, слитно воспринимаемые на расстоянии глазом зрителя, сохраняют свою чистоту и звучность. Наложение красок равномерными мазками придает картине характер декоративной мозаики. Это усиливается и композицией картины, в которой художник стремится к уравновешенному распределению основных масс.
Если неоимпрессионисты пытаются разрешить монументальные задачи рационалистическим путем, то другой представитель французского монументального искусства конца XIX в. — Пюви де Шаван, идет от стремления к эмоциональному воздействию на зрителя, которого он достигает композицией, колоритом и ритмами линий,создающими ощущение покоя, располагающими к мечте, к фантазии.
Повышающийся на рубеже XIX и XX вв. интерес к монументально-декоративному искусству сказывается в творчестве художника М. Дени, который представлен в музее рядом станковых работ и целым декоративным ассамбляжем, состоящим из 11 панно на тему «История Психеи», расписанных им ваз и сделанной по указания художника мебели.
В панно «История Психеи» намечаются попытки художника вернуться к классическим традициям.
Те же классические традиции возрождает и скульптор Майоль (1861–1944), бронзовые фигуры которого удачно сочетаются с ансамблем зала, декорированного М. Дени.
Группа постимпрессионистов — Боннар, Вюйар, Руссель (в зале и панно на парадной лестнице музея) — развивает те декоративные элементы, которые наметились в поздних работах импрессионистов, придавая им уже самодовлеющее значение.
У ряда художников начала XX в. все более намечается интерес к экспериментам и к подчинению реальных форм действительности живописным, декоративным конструктивным и экспрессивным задачам. Организовавшаяся около 1906 г. группа «Диких» (фовистов) ставит своею целью борьбу со всякой традицией в искусстве — с традициями академизма, реализма и импрессионизма, во имя приближения к непосредственности примитивного искусства. Рассматривая искусство как источник наслаждения и отдыха, они превращают свои картины в роскошные яркие ковры (например, произведения А. Матисса (родился в 1869 г.), особенно «Красная комната», «Испанский натюрморт», «Букет цветов»), или в стройные уравновешенные композиции (Дерен, Фриез), или в остро эмоциональные произведения (Руо, Ван-Донген). Эти художники подчеркивают свой отказ от сюжета и отрицание необходимости дли художника следовать за формами реального мира.
Одному из участников выставок группы фовистов (А. Марке, 1875) удается, однако, создать серию пейзажей, исключительны по лаконизму живописных приемов и в то же время по лиризму и правдивости передачи. Это выдвигает его на одно из первых мест среди пейзажистов XX в. (см. пейзажи Парижа и Неаполя).
Особенно экспериментальных характером отличается творчество представителя кубизма — Пабло Пикассо (родившегося в 1881 г.)
Начав с выразительных произведений так называемой «синей» и «розовой» серии, в которых он показал свое мастерство в создании глубоких, психологически острых образов («Старый еврей с мальчиком», «Пьяница», «Свидание» и др.), Пикассо затем увлекается композиционными опытами, ради которых он приходит к полной деформации предметов и даже к их разложению на части, из которых он затем создает свои композиции, не имеющие уже аналогии в реальной действительности.
Художники-формалисты растрачивают свои творческие силы и мастерство на бесплодные эксперименты. Их искусство порвало живую связь между художником и зрителем и этим обеднило самого художника, потерявшего ощущение жизни и зрителя, получающего вместо многогранных образом лишь узкие эстетические эксперименты.
Но наряду с художниками-формалистами, заведшими искусство в тупик, в XX в. продолжает жить искусство, стремящееся раскрыть подлинную сущность окружающей художника реальной действительности и показать эту действительность во всем многообразии ее общественных политических, моральных и других направлений.
Эти тенденции были особенно сильны в произведениях, рассчитанных на широкое распространение: в графике, политической сатире, карикатуре. Острую подачу современной художнику действительности мы видим в творчестве французских реалистов-рисовальщиков начала XX в. Тулуз-Лотрека, Форена и особенно в рисунках Стейнлена (1859–1923), носящих уже характер пропаганды увлекавших художника социально-политических идей.
Среди художников других европейских стран в Музее нового западного искусства ярко представлено искусство художников Бельгии. Его реалистическое крыло возглавляется работами К. Менье (1831–1902) и рисунками Леона Фредерика (родился в 1868 г.), к которым примыкают современные художники-реалисты Бельгии — Полюс (родился в 1871 г.), Пейзер (родился в 1887 г.), Депоттер и скульптор Дебоннер — «Голова подмастерья». Наряду с ними в музее представлены рисунки и графика Франца Мазерееля и живопись Саварайса, пытающихся найти новые пути художественной выразительности.
Искусство Голландии показано представителями так называемой Гаагской школы, которые являются наследниками великих традиций голландского пейзажа XVII в. и предшественниками импрессионизма (см. работы Израэльса (1821–1911), Мауве (1838–1888), Месдага (1831–1915).
Искусство северных стран представлено в музее работами художников Финляндии — Эдельфельда и Галлена; Норвегии — Тауло (1847–1906), Эдварда Мунка (родился в 1864 г.); Швеции — произведениями Цорна (1860–1920), среди работ которого особенно характерен свободой своего живописного мастерства портрет С. И. Мамонтова.
В отделе английского искусства интересны своими декоративными решениями работы Бренгвина и гобелен, исполненный по рисунку Берн-Джонса.
Немецкое искусство представлено, начиная с раннего декоративного панно Ханса Маре (1837–1887) — «Двор Мюнхенского королевского дворца», романтического портрета Фейербаха (1829–1880), реалистического искусства Лейбеля и Менцеля («В Люксембургском саду) и работ представителя академической школы XIX в. Ленбаха и кончая произведениями художников 20-х и 30-х годов XX в. Среди последних выделяются своим художественным мастерском и идейной значимостью произведения Кете Кольвиц и Жоржа Гросса (родился в 1893 г.), покинувших фашистскую Германию и переселившихся в США.
В отделе искусства США преобладают работы современных американских графиков (Эллиса, Гроппер, Берка и др.), отличающихся выразительность и запечатлеваемостью образов. Из скульпторов США музей обладает прекрасными работами М. Гаркави, которые являются лучшими в ее творчестве, а также работами скульпторов Фильдса и Вольфа.
На фоне разрушений, принесенных фашистами Западной Европе, Музей нового западного искусства в Москве, полностью сохранивший свои замечательные коллекции памятников художественной культуры конца XIX и начала XX в., приобретает еще большее значение. Но это ставит перед ним и новые большие задачи. Наряду с дальнейшим изучением западноевропейского искусства и искусства США ему предстоит развернуть отделы современного искусства славянских стран, из которых он пока обладает лишь работами чехословацких художников (см. работы Прохаска, Шпала, Рада) и значительным собранием польских художников.
