Мария Савостьянова. Дизайн сегодня

Музей современного искусства «Гараж» издал книгу Марии Савостьяновой «Дизайн сегодня», которая была написана по следам лекций исследовательницы, прочитанных в 2016 году. В книге Савостьянова рассматривает наиболее интересные практики современного дизайна. С любезного разрешения издательства публикуем фрагмент главы «Рецепты местных колоритов», посвященной взаимопроникновению локального и глобального контекстов.

Патриция Морозо, Абду Салам Гайе. Из коллекции мебели «Моя Африка». Фото: Alessandro Paderni. Courtesy Moroso Showroom Milano

В октябре 2017 года на улице Ива Сен-Лорана рядом с садом Мажорель в Марракеше открылся Музей Ива Сен-Лорана — первый в Африке музей, посвященный мировой моде. Здание построено по проекту французских архитекторов из Studio KO. Снаружи — терракотовый монолит, глухие стены фасадов почти без окон, фигурно уложенный кирпич, напоминающий кружево; внутри — марокканские витражи и другие традиционные техники и текстуры: марокканский глазурованный кирпич, знаменитая местная плитка зеллидж, гранит, ароматный лавр и дуб. И даже знаменитый логотип YSL в этом архитектурном проекте напоминает виньетку арабской вязи.

Годом ранее — в сентябре 2016 года — в Вашингтоне открылся Cмитсоновский Национальный музей афроамериканской истории и культуры (NMAAHC), спроектированный любимым архитектором Барака Обамы Дэвидом Аджайе. Издали силуэт здания выглядит перевернутым зиккуратом, однако форма в точности повторяет форму традиционной шапки вождя африканского племени, хранящейся в коллекции музея. Но внутри это вполне современная эстетская архитектура с обилием стекла и бетона. Фасады закрыты «второй кожей», которую образует ажурная алюминиевая сетка, укрепленная на стальных рамах. Орнамент сетки напоминает железные решетки, встречающиеся в южных штатах. Часто они выковывались темнокожими рабами и так называемыми непризнанными вольноотпущенниками. Архитекторы изучили железные перила и металлические украшения домов штатов от Южной Каролины до Нового Орлеана и выбрали несколько исторических образцов. Затем, используя компьютерную программу для цифрового моделирования, создали абстрактный узор подчеркнуто современного дизайна.

Studio Ko. Фасад Музея Ива Сен-Лорана в Марракеше. 2017. Фото: Photo Nicolas Mathéus, 2017. © Fondation Jardin Majorelle, Marrakech

Что объединяет эти два очень разных музейных здания? Обе постройки демонстрируют весьма актуальную стратегию трансформации местных традиций, сугубо локальных приемов, техник и мотивов в глобальный дизайн. То, что принято называть глокализацией.

Термин «глокализация» («глобальный» и «локальный» в одном слове) стал широко применятся к сфере дизайна десять лет назад. Впервые о ней заговорили в Японии в 1980-х годах, причем в очень узкой сфере маркетинговых исследований, посвященных эффективности сельского хозяйства. Затем глокализацией заинтересовались социологи и экономисты. Сегодня ее понимают как процесс развития с характерным сосуществованием противоположных тенденций: на фоне глобализации вместо ожидаемого исчезновения региональных отличий происходит их сохранение и усиление.

В каких дизайнерских проектах реализуется эта стратегия? Часто ли дизайнеры, опираясь на местные традиции, стараются создать продукты, понятные и востребованные повсюду? Материала для анализа достаточно.
Одни вещи, созданные с опорой на местные традиции, выглядят подчеркнуто ремесленными, как будто не было никакого индустриального, «машинного» XX века, а современные дизайнеры-мейкеры дискутируют с Уильямом Моррисом и его соратниками по движению «Искусства и ремесла» или с читателями американского журнала The Craft. Другие вещи, напротив, пронизаны сверхсовременным ощущением и стилем.

Дэвид Аджайе. Смитсоновский Национальный музей афроамериканской истории и культуры (NMAAHC) в Вашингтоне. 2009–2016. Фото: Alan Karchmer. Courtesy NMAAHC Press-Service

Заметим, что в редких проектах локальный колорит бьет через край. Значительно чаще местные традиции полностью переработаны, лишены специфических «вкуса» и «запаха», локальный колорит считывается лишь как неясный след. Надо признать, что довольно часто из характерного и национального в современных дизайнерских вещах остается только байка, которую можно рассказать клиентам или изложить в пресс-релизе, — сохраняется сторителлинг, тогда как в самой вещи почти никакого локального следа нет.

Использование национальных орнаментов и мотивов, освоение ремесленных навыков и их применение в промышленном дизайне особенно востребовано в течение последних десяти лет. Анализ этих экспериментов мог бы стать содержанием отдельной книги, но я ограничусь небольшой главой.
Откуда приходит глокальное?

Миланская неделя дизайна, Лондонская неделя дизайна, Парижская неделя дизайна и ее мотор — выставка Maison & Objet, смотры декора, ярмарки текстиля и домашних аксессуаров во Франкфурте-на-Майне и Милане, Сингапурская неделя дизайна, вспыхнувшая, но не выдержавшая конкуренции Experimenta в Лиссабоне, набирающая силу Неделя дизайна в Вене, Дни дизайна в Дубаи — на этих мероприятиях локальное и адаптированное для всего мира выходит на сцену и, оставаясь при этом на вторых ролях, может заявить о себе в полный голос.

Где сформировался и поддерживается нынешний интерес к национальным традициям и ремеслам? Весомый вклад внесли дизайнерские школы Лондона и Парижа, к тому же там созданы благоприятные условия для образования, развития и конкуренции среди мигрантов.

В процессе интеграции локальных культур в современный дизайн сыграли свою роль и аутентичность бытовой жизни лондонских диаспор, и старое имперское ощущение самих британцев с их умением выбирать все самобытное, роскошное и экзотическое и адаптировать к устоявшемуся образу жизни.

Патриция Морозо, Абду Салам Гайе. Из коллекции мебели «Моя Африка». Фото: Alessandro Paderni. Courtesy Moroso Showroom Milano

С начала 1990-х годов в Великобритании развивается дизайнерское образование: здесь целенаправленно повышают узнаваемость и престижность лондонских учебных заведений — от Королевского колледжа искусств и колледжа Сентрал Сент-Мартинс до недавно открытой Школы инженерного дизайна при Имперском колледже, — привлекая студентов со всего мира. Учиться дизайну в Лондоне хотят испанцы, китайцы, индийцы, бразильцы, русские, украинцы, японцы, а также проектировщики из многих других стран. Стратегия выглядит логично: британским островам нужны не только деньги, но энергия, идеи и альтернативное видение, которые приносит с собой пассионарное студенчество.

Одним из самых наглядных примеров того, как поддерживается разнообразие практик и любые локальные традиции адаптируются к современному дизайну, стала многолетняя совместная программа лондонского Музея дизайна и Британского совета по искусству «Дизайнеры в резиденции». В рамках программы ежегодно выбирают молодых дизайнеров из разных стран, получивших образование в Великобритании. Четырем победителям дают финансирование на реализацию проектов и развитие практики, а их проекты показывают на специальной выставке в лондонском Музее дизайна.

Система поддержки дизайнеров со всего света устроена таким образом, что понятие «Обосновавшийся в Лондоне» (London-based) уже никого не удивляет. Словенка Лара Бохинц, отучившаяся в магистратуре Королевского колледжа искусств, осталась жить в Лондоне и сделала для шведского бренда Kasthall большую коллекцию ковров «К западу от солнца» (West of the Sun) — вариацию на тему традиционного японского сада камней. Такой мультикультурный клубок сплетается в современных дизайнерских коллекциях сплошь и рядом. Этнический коктейль становится все более невероятным: восток смешивается с западом, север — с югом.

Bohinc х Kasthall. Ковер «К западу от Солнца» (из коллекции «От Солнца к Луне»). 2019. Шерсть, ручная работа. Фото: Emil Fagander. Courtesy Kasthall

Париж — в отличие от Лондона — не столько способствует вовлечению дизайнеров разных национальностей в само проектирование, сколько укрепляет моду на разнообразную этнику в дизайне. Уникальная этнографическая коллекция Музея на набережной Бранли, множество галерей, представляющих африканскую скульптуру и текстиль, богатая выставочная программа Института арабского мира — все это поддерживает высокий градус интереса к национальным культурам в столице Франции. Кроме того, в течение долгих лет заметить талантливую молодежь из разных стран помогал небольшой, но перспективный раздел выставки Maison & Objet — Talents a la carte.

Так, осенью 2002 года по приглашению выставки в Париже были представлены российские дизайнеры, зимой 2006 года — гастролировали дизайнеры из Таиланда, а осенью 2018-го неожиданно высокий уровень вещей продемонстрировали семь ливанских студий. Тогда ливанскую тему подхватили парижские частные площадки, в том числе концепт-стор Ben Simon и Carpenters Workshop Gallery, где прошла выставка бейрутской студии david / nicolas. Выпускники Ливанской академии художеств Давид Раффуль и Николя Муссаллем представили столы в ближневосточном стиле из травертина, мрамора, бронзы и стекла — блестящие образцы глокализации в коллекционном дизайне.

Читайте также


Rambler's Top100