Десять реконструкций

В последние годы по всему миру прошла волна выставок-реконструкций. Все организаторы подобных проектов отдают дань революционности и новаторству того или иного выставочного события и тем людям, которые их придумали и сделали. «Артгид» вспомнил десять самых впечатляющих выставок-реконструкций последних лет.

Александр Родченко. Рабочий клуб. Реконструкция. 2008. Фрагмент экспозиции в Государственный Третьяковской галерее. Фото: Екатерина Алленова / Артгид

Александр Родченко. Рабочий клуб. 1925.
Реконструкция 2008 года.
Государственная Третьяковская галерея, Москва

Весной 1925 года Александр Родченко прибыл в Париж на Международную выставку современных декоративных и промышленных искусств (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes) для монтажа интерьера придуманного им Рабочего клуба, предназначенного для отдыха и интеллектуальных занятий советских тружеников заводов и фабрик. Клуб размещался в павильоне СССР, спроектированном Константином Мельниковым, и должен был представлять триумф конструктивистского искусства и идеологию нового пролетарского быта. Он включал библиотеку (книжный стеллаж, стол и стулья), доску объявлений, «Уголок Ленина» (выставку фотографий и текстовых материалов, расположенных на планшетах), складную пропагандистскую установку с трибуной оратора, вращающуюся конструкцию с бумажными рулонами для выпуска стенгазет, шахматный столик с двумя стульями. Все предметы интерьера предусматривали возможность трансформации и могли быть размещены даже в небольшом помещении.

После завершения выставки весь Рабочий клуб был подарен Коммунистической партии Франции, никогда не экспонировался в России и его дальнейшая судьба неизвестна. Но по чертежам Родченко и сохранившимся выставочным фотографиям его неоднократно реконструировали — целиком или частями, а производство шахматного столика по дизайну Родченко даже поставлено на поток — его производит итальянская компания Molinari Interni di Molinari Alberto. Реконструкция, экспонирующаяся в Третьяковской галерее, была выполнена немецкими специалистами для выставки «От плоскости к пространству. Малевич и ранний модернизм», которая прошла в 2008 году в Кунстхалле Баден-Бадена. Затем реконструированный Рабочий клуб был подарен Третьяковке в знак признательности за организацию галереей выставок авангарда в Европе в 2008–2009 годах.

Слева: Марсель Дюшан. Обнаженная, спускающаяся по лестнице, №2. 1912. Холст, масло. Художественный музей, Филадельфия. © Artists Rights Society (ARS), New York / ADAGP, Paris / Estate of Marcel Duchamp. Справа: Ф. Гризволд. Грубиян, спускающийся по лестнице (час пик в метро). Карикатура в газете New York Evening Sun, 20 марта 1913. General Research Division, The New York Public Library, Astor, Lenox and Tilden Foundations. Источник: armory.nyhistory.org

Armory Show — 100: современное искусство и революция.
(The Armory Show at 100: Modern Art and Revolution)
Нью-Йоркское историческое общество, 2013–2014

Открывшаяся в 1913 году в Нью-Йорке, в здании арсенала 69-го пехотного полка, выставка представила американской публике как американских живописцев и скульпторов, так и новейшие течения европейской живописи, в первую очередь фовизм и кубизм. Огромная, в 1250 работ, экспозиция, разумеется, стала причиной массовых возмущений почтенной публики, особенное негодование вызвала «Обнаженная, спускающаяся по лестнице» Марселя Дюшана (но в итоге так и оставшаяся в США). В честь этой выставки названа ярмарка современного искусства и модернизма The Armory Show, ежегодно проходящая весной на двух пирсах в Нью-Йорке.

Организаторы нынешней выставки, однако, собираются не делать реконструкцию, а показать прежде всего историю рождения американского авангарда, стимулом к появлению которого стала выставка Armory Show, на которой демонстрировались работы таких европейских мастеров, как Сезанн, Ван Гог, Матисс, Пикассо, Брак, Малевич, Кандинский, Мунк. Выставка 2013 года призвана представить Armory Show с исторической точки зрения, описать реакцию на событие столетней давности жителей Нью-Йорка и поместить его в контекст того исторического момента. Экспозиция будет дополнена солидным каталогом, содержащим статьи выдающихся историков и искусствоведов.

Уокер Эванс. Американские фотографии. Фрагмент экспозиции в Музее современного искусства, Нью-Йорк, 2013. Источник: dlkcollection.blogspot.com

Уокер Эванс. Американские фотографии.
(Walker Evans. American Photographs).
Музей современного искусства, Нью-Йорк, 2013–2014

Выставка Уокера Эванса «Американские фотографии» открылась в 1938 году и стала первой фотографической экспозицией в истории нью-йоркского Музея современного искусства. На ней было представлено 100 фотографий, сделанных Эвансом по большей части на американском Юге 1930-х, когда он снимал там по заказу Farm Security Administration, правительственной организации, созданной для поддержки фермерских хозяйств в годы Великой депрессии. К выставке была выпущена одноименная книга, но с несколько иным набором фотографий (или с другими вариантами кадрирования экспозиционных снимков), повлиявшая на все последующие поколения американских фотографов и выдержавшая несколько переизданий.

Джон Жарковский, куратор Музея современного искусства, однажды заметил, что «работы Эванса на первый взгляд казались антитезой искусству: они были крайне экономными, точно выверенными, прямолинейными, бесстрастными, сухими по фактуре и настойчиво фактографичными. Все эти качество больше подходили бухгалтерской книге, нежели произведению искусства. Однако со временем стало ясно, что снимки Эванса, какой бы лаконичной ни была их форма, были невероятно богатыми и выразительными по содержанию».

По случаю 75-летнего юбилея «Американских фотографий», одного из важнейших культурных событий в памяти американской нации, МоМА показал около 60 оригинальных отпечатков, находящихся сейчас в коллекции музея. Но если экспозиция 1938 года предполагала строгую последовательность снимков, современные кураторы поделили ее на два раздела: портретов и «культурных артефактов» вроде домов, церквей и архитектуры центральных улиц. Выставка разместилась на четвертом этаже музея, в соседних залах с работами абстрактных экспрессионистов и поп-артистов.

Слева: Когда позиции становятся формой. Фрагмент экспозиции с работами Ричарда Серры. Кунстхалле, Берн, 1969. Courtesy The Getty Research Institute, Los Angeles (2011.M.30), фото: Balthasar Burkhard, © J. Paul Getty Trust. Справа: Когда позиции становятся формой: Берн 1969 / Венеция 2013. Фрагмент экспозиции с работами Ричарда Серры. Фонд «Прада», Ка Корнер делла Риджина, Венеция, 2013. Фото: Attilio Maranzano. Courtesy Fondazione Prada

Когда отношения становятся формой: Берн 1969 / Венеция 2013.
(When Attitudes Become Form: Bern 1969 / Venice 2013).
Фонд «Прада», Венеция, 2013

Выставка «Когда отношения становятся формой» (ее полное название: Live in Your Head. When Attitudes Become Form. Works — Concepts — Processes — Situations — Information) считается важнейшим экспериментальным проектом, представившим европейскому зрителю искусство arte povera, американского концептуализма и постминимализма, изменившим само представление о том, какой может быть выставка и какие подходы могут быть к ее организации и методологии. Именно от нее принято вести отсчет профессии выставочного куратора. Выставку организовал Харальд Зееман, «человек, который делает выставки» — Ausstellungsmacher, как он сам себя называл, на тот момент сотрудник Кунстхалле в Берне. Среди его последующих выставочных проектов были «Документа» (1972) и Венецианская биеннале (1980, 1999 и 2001).

Выставка не ограничивалась простым набором произведений, размещенных в пространстве: одна из самых известных работ, представленных на ней, — телефон Уолтера де Марии, с которым зрители могли поговорить, когда аппарат звонил. Среди других участников — Ричард Серра, Карл Андре, Клас Ольденбурн, Ева Хессе, Ханна Дарбовен, Йозеф Бойс, Сол Левитт, Джозеф Кошут и многие другие. «Когда позиции становятся формой» вызвала грандиозный скандал в Берне, вплоть до угроз в адрес матери Зеемана, и привела в конце концов к его отставке. Потом выставка отправилась в небольшое турне, каждый раз немного меняя состав работ, однако в историю искусства вошел именно бернский вариант.

Одна из причин, по которой эта выставка была реконструирована, стал идущий сегодня процесс осмысления профессии куратора и мифологизация фигуры Харальда Зеемана, умершего в 2005 году. Зееман оставил подробнейший архив, в котором была собрана документация всех его выставочных и нереализованных проектов, в настоящий момент находящийся на хранении в Институте Гетти . Именно это помогло куратору Джермано Челанту, архитектору Рему Колхасу и художнику Томасу Деманду практически в первоначальном виде восстановить экспозицию Зеемана в интерьерах палаццо XVIII века Ка Корнер делла Риджина, расположенного на Гранд-канале в Венеции.

Залы палаццо были перегорожены фальшстенами согласно планам и размерам бернского Кунстхалле, а в некоторых помещениях был даже повторен рисунок его кафельного пола. Утраченные или недоступные работы были заменены их небольшими фотографиями с выставки 1969 года в соответствующих местах экспозиции.

Матисс: в поисках истинной живописи. Фрагмент экспозиции в Музее Метрополитен, Нью-Йорк, с картиной Анри Матисса «Сон» и фотографиями, документирующими процесс ее создания. Фото: Stan Honda / AFP

Матисс: в поисках истинной живописи.
(Matisse: In Search of True Painting).
Музей Метрополитен, Нью-Йорк, 2012–2013

Внутри выставки, посвященной исследованию методов работы Матисса, частично воспроизвели другую выставку, также связанную с «творческой кухней» художника и прошедшую в Galerie Maeght в Париже в декабре 1945 года. Тогда Матисс представил в галерее шесть своих картин конца 1930-х — начала 1940-х годов в сопровождении обрамленных черно-белых фотографий, на которых были зафиксированы этапы создания каждой картины, начиная с кажущихся довольно неожиданными для этого художника вполне реалистичных набросков углем на холсте. Таким образом Матисс стремился опровергнуть распространенное мнение о «спонтанности» своей работы. В музее Метрополитен показали три из шести «комплектов» (картина плюс фотографии) — «Францию» (1939, Художественный музей Хиросимы), «Сон» (1940, частное собрание) и «Натюрморт с магнолией» (1941, Национальный музей современного искусства — Центр Жоржа Помпиду, Париж).

1912 — Mission Moderne.
Музей Вальраф-Рихарц, Кельн, 2012

В 2012 году Кельнский Музей Вальраф-Рихарц (Wallraf-Richartz-Museum) воссоздал знаменитую выставку «Зондербунд» (Sonderbund), собравшую в 1912 году в Кельне все самые крупные имена европейского искусства того времени — от Ван Гога до Пикассо, всего же на выставке были представлены 173 художника.

Музею не удалось показать абсолютно все картины и скульптуры, который были представлены на исторической выставке, поскольку многие из них пропали или их не удалось получить в качестве музейного заема. На выставке 1912 года были представлены 125 картин Ван Гога, 25 картин Гогена, 26 — Сезанна, 16 — Пикассо, 32 — Мунка. Было и много работ немецких авангардистов, входивших в объединения «Мост» (Die Brücke) и «Синий всадник» (Der Blaue Reiter). Всего из 634 работ, показанных на оригинальной выставке, в музее было было экспонировано 120. Куратором выставки Барбарой Шефер был подготовилен 646-страничный каталог с репродукциями всех полотен и скульптур с выставки 1912 года.

Марта Купер. Casita. Конец 1980-х. Одна из фотографий, показанных на выставке Las Casitas: An Urban Cultural Alternative, 1991. Источник: 12ozprophet.com

Пересматривая Las Casitas.
(Las Casitas Revisited).
Longwood Art Gallery, Нью-Йорк, 2010

В 1991 году в Смитсоновском институте в Вашингтоне прошла выставка Las Casitas: An Urban Cultural Alternative, посвященная феномену casitas — урбанистических образований пуэрто-риканского рабочего класса, появихшиеся в Нью-Йорке в середине 1950-х. Как правило, casitas представляли собой одноэтажные дома-«самострои» с небольшой огороженной территорией вокруг, с возделываемым на ней садом. Casitas функционировали как неформальные общественные и культурные центры, в которые представители диаспоры приходили для встреч, общения и танцев.

На реконструкции были представлены как оригинальные работы, так и фотографии, найденные объекты, видеозаписи и музыкальные инструменты, отражающие историю одного из самых известных подобных мест — Casita de Chema, открытого уже больше тридцати лет. Центральным экспонатом инсталляции стали восстановленные фрагменты интерьера этого дома, выполненные его основателем Хосе Сото. Задача выставки — отдать дань уважения латиноамериканской культуре в США и ее влиянию на локальные районы Нью-Йорка.

Слева: Уильям Блейк. Дух Нельсона, укрощающий Левиафана. Около 1805–1809. Холст, темпера. Тейт Британ, Лондон. © Tate, London, 2013. Справа: Уильям Блейк. Как будто с облаков спустился ангел — укротить Пегаса. Иллюстрация к пьесе Уильяма Шекспира «Генрих IV». 1809. Бумага, перо, тушь, акварель. Британский музей, Лондон. Экспонаты выставки Уильяма Блейка 1809 года и выставки в Тейт Британ

Выставка Уильяма Блейка 1809 года.
(William Blake’s 1809 Exhibition).
Тейт Британ, Лондон, 2009

Свою единственную прижизненную персональную выставку знаменитый английский художник и поэт Уильям Блейк организовал сам, разместив в 1809 году на стенах принадлежавшего его брату чулочно-носочного магазина в Сохо шестнадцать работ акварелью и темперой. Таким образом он решил представить себя публике именно в качестве живописца (а не графика), причем живописца с амбициями: две из представленных темпер («Дух Нельсона, укрощающий Левиафана» и «Дух Питта, укрощающий Бегемота») он планировал, разогнав до 100 футов в высоту (около 30 метров), воспроизвести на стенах здания английского Парламента. Выставка прошла незамеченной, что ввергло Блейка в глубокую многолетнюю депрессию. Появилась лишь одна глумливая рецензия: «Бедняга мнит себя великим мастером, написав несколько убогих картин, некоторые из которых представляют собой невнятные аллегории, другие напоминают карикатуры, и все это грязная мазня, очень плохо нарисованная. То, что он называет выставкой, скорее представляет собой смесь глупости, невнятицы, вопиющего тщеславия и необузданных излияний расстроенного мозга», — писал обозреватель газеты Examiner.

Из шестнадцати показанных на выставке 1809 года работ сохранилось одиннадцать, в Тейт Британ в 2009 году собрали десять — из Британского музея, Музея Виктории и Альберта и других музеев Англии. Привезли даже «Кентерберийских пилигримов» из собрания Поллок Хаус в Глазго — вещь, которую практически никогда не трогают с места из-за ее плохой сохранности. Шесть недостающих произведений были представлены в виде белых полотен. А для наглядности, чтобы явственнее стали величие и оригинальность Блейка, в экспозицию добавили работы других его современников, показанные на разных выставках того же 1809 года, в том числе картины еще одного британского кумира — Уильяма Тернера.

Салон Золотого руна. 1908. Виды экспозиции. Courtesy Государственная Третьяковская галерея

«Золотое руно». 1906–1909. У истоков авангарда.
Государственная Третьяковская галерея на Крымском Валу, Москва, 2008

Выставка в ГТГ была приурочена к 100-летию организованной меценатом Николаем Рябушинским экспозиции «Салон Золотого руна» в доме Хлудовых на Рождественке в Москве. Выставку-прототип 1908 года вполне можно назвать легендарной: на ней «встретились» Михаил Врубель, Виктор Борисов-Мусатов, мастера «Мира искусства», молодые художники «Голубой розы», Михаил Ларионов и Наталия Гончарова и современные им французские художники — не только недавно ушедшие в мир иной Ван Гог, Гоген и Сезанн, но и самые что ни на есть актуальные Анри Матисс, Жорж Брак, Кес ван Донген, Пьер Боннар, Аристид Майоль, Антуан Бурдель. Всего демонстрировалось около 200 произведений живописи, графики и скульптуры. «Вчера открылась выставка “Золотого Руна”, — писала газета “Столичная молва”. — Веселая выставка. Ни одной картины, хоть несколько похожей на действительность. Зеленые с лиловым женщины, фиолетовые мужчины, голубые мальчики и полосатые девочки, желтые небеса и синие деревья, мир Божий наизнанку <…> Впечатление такое, что скоро и публика начнет видеть друг у друга зеленые лица, синие носы и фиолетовые руки. В результате положительно недоумеваешь, образцы ли это повального психоза или истеричное кривлянье».

Куратор юбилейной выставки в ГТГ Ида Гофман подчеркивала, что в Третьяковке не ставили целью именно реконструкцию выставки 1908 года, хотя и попытались собрать как можно больше подлинных экспонатов выставки столетней давности. Задача состояла в том, чтобы продемонстрировать русско-французские художественные связи «накануне авангарда» и воссоздать сферу интересов журнала «Золотое руно» и его издателя (Николаю Рябушинскому на выставке в ГТГ был посвящен самостоятельный раздел). В результате на выставке были показаны богатейший русский материал и около двух десятков работ французских мастеров из ГМИИ им. А.С. Пушкина и Государственного Эрмитажа, а некоторые из французских произведений были представлены в виде ксерокопий.

Слева: Вторая выставка Обмоху. 1921. Вид экспозиции. Courtesy ГТГ. Справа: Реконструкция Второй выставки Обмоху. 2006. Фрагмент экспозиции в Государственной Третьяковской галерее. Фото: Екатерина Алленова / Артгид

Вторая выставка Обмоху. 1921 Собрание фонда «Новый».
Экспонируется в Государственной Третьяковской галерее.
Автор концепции, проекта реконструкции и исполнитель — Вячеслав Колейчук. Реконструкция 2006 года

После выставки Общества молодых художников (Обмоху), прошедшей в мае — июне 1921 года в бывшем салоне Михайловой на Большой Дмитровке, само название «Обмоху» стало прочно ассоциироваться с ранней стадией конструктивизма. Вячеслав Колейчук, автор проекта реконструкции и главный его исполнитель (совместно с Александром Лаврентьевым, Юрием Орсой, Вадимом Таллеровым, Валерием Таллеровым) характеризует выставку так: «2-я выставка ОБМОХУ 1921 года является знаковой для русского авангарда начала прошлого века. В ней участвовали ключевые фигуры художественного авангарда ХХ века. Эта выставка занимала особое место в исторических, искусствоведческих трудах, энциклопедиях, каталогах, статьях на протяжении всего ХХ века. <…> Еще одним импульсом к созданию проекта полной реконструкции послужил тот факт, что данная выставка являлась знаковой не только для русского конструктивизма, но и мирового художественного авангарда. Более цельной и убедительной, с художественной точки зрения, демонстрации конструктивизма как направления трудно себе представить. Судя по публикациям о русском авангарде за последние 80 лет, две классические фотографии с этой выставки являются любимыми сюжетами исследователей со всего мира. <…> Третья причина, подвигнувшая меня к этому проекту, кроется в духе того времени — начала 20-х прошлого века. Еще не проявились в полной мере тенденции к адаптации, “приспособлению” русского авангарда к нуждам новой советской власти: агитпропу, производственному искусству, пролетарской культуре. Еще сохранялась чистота художественного жеста. Еще не сложились или только появлялись элементы комиссарского искусствознания и искусствоведения, которое знает, какое новой власти и обществу нужно, а главное, полезно искусство. Сравните с нашим временем, так называемого “актуального искусства”. И последнее, для меня наиболее важное и интересное — изобретательский и инновационный пафос, который пронизывает выставку конструктивистов ОБМОХУ 1921 года. Свобода, с которой художники включали в контекст искусства объекты и идеи, которые, по большей части, для общественного восприятия того времени художественными объектами не являлись, да и сейчас не являются» (Азбука Колейчука. М.: Московская государственная художественно-промышленная академия имени С.Г. Строганова, 2012. С. 36).

В выставке принимали участие Александр Родченко и Карл Иогансон (формально не состоявшие членами Обмоху), их работы вместе с работами Константина Медунецкого и братьев Владимира и Георгия Стенбергов экспонировались в специально выделенном зале. Родченко выставил подвесные конструкции, братья Стенберги — трехмерные структуры, построенные по инженерным принципам, Иогансон — крестообразные пространственные построения, Медунецкий — скульптурные композиции, демонстрирующие соотношение форм и материалов. Все это сопровождалось живописными и графическими работами. Абсолютное большинство показанных на выставке произведений не сохранилось. Отдельные экспонаты реконструировались, например, для выставки «Великая утопия» (1992–1993). Вся экспозиция целиком воссоздана Колейчуком по двум сохранившимся фотографиям.

Читайте также


Rambler's Top100