Топ-10 выставок Москвы и Петербурга 2020 года

Триеннале российского современного искусства с лирической темой «Красивая ночь всех людей», масштабный проект Третьяковской галереи, посвященный искусству эпохи застоя, выставка британского скульптора-провокатора и 100-летний юбилей Вхутемаса: большая часть российских музеев уже анонсировала выставочные планы на следующий год. «Артгид» рассказывает о наиболее интересных проектах, которые нас ждут.

Билл Виола. Огненная женщина. 2005. Аудиовидеоинсталляция, 11 мин. 12 сек. Исполнитель: Робин Бонаккорси. Фото: Кира Перов. © Bill Viola Studio

Билл Виола
14 июля — 8 ноября 2020 года
Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина


Первая в России персональная выставка американского художника Билла Виолы, одного из самых влиятельных современных мастеров видеоинсталляции, станет большим проектом в рамках программы «Пушкинский XXI». Выставка подготовлена в сотрудничестве с Кирой Перов, женой художника. Экспозиция охватит 14 лет творчества Виолы — с 2000 по 2014 год. Знаменитый «видеопоэт», посвящающий свои работы самым возвышенным темам — течению времени, границам бытия и небытия, жизни и смерти, — Виола в эти годы экспериментирует со светом и цветом, замедленной съемкой, инфракрасными камерами, использует богатую звуковую палитру и цитирует произведения классической живописи. Вот почему, согласно замыслу кураторов Пушкинского музея, его работы на выставке будут экспонироваться в сопоставлении с классическим искусством, которое одновременно будет представлено на выставке «Шедевры из Музея Каподимонте в Неаполе». Работы Виолы разместят на основной выставочной оси, а 50 произведений живописи Возрождения и барокко и предметов прикладного искусства из Каподимонте — в расположенных перпендикулярно залах французского и итальянского искусства. Выставка Билла Виолы станет одной из первых, на которых посетители музея смогут получить именные билеты.

 

Марк Куинн. Проект Allanah, Buck, Catman, Chelsea, Michael, Pamela and Thomas. Вид экспозиции в галерее White Cube, Лондон, 2016

Марк Куинн. Космос и Хронос
24 апреля — 26 июля 2020 года
Государственный Эрмитаж, залы искусства античного мира

Марк Куинн — один из скандально известных британских художников поколения YBA (Young British Artists), которое заявило о себе в начале девяностых и сейчас ассоциируется в основном с Деймианом Херстом и Трейси Эмин. Меж тем, Куинн — не менее радикальный художник. Среди его заметных проектов — скульптурное изображение родившейся без рук беременной художницы Элисон Лаппер, которое в 2005 году было временно установлено на одном из постаментов Трафальгарской площади в Лондоне, а также инсталляция, состоящая из двух кубов замороженной крови, — в одном кровь беженцев, в другом — Кейт Мосс, Джуда Лоу и других знаменитостей. На выставке в Эрмитаже планируют показать около 60 работ Куинна. Здесь можно будет увидеть мраморные статуи паралимпийцев и другие хрестоматийные работы художника, а также новые проекты, созданные под впечатлением от залов искусства античного мира Эрмитажа.

 

Томас Сарасено. Аэродинамическое воображаемое. 2018. Вид инсталляции на выставке Томаса Сарасено ON AIR в Пале Токио, Париж. 2018 Предоставлено художником, галереей Esther Schipper, Берлин, галереей Pinksummer Contemporary Art, Генуя © Studio Tomás Saraceno, 2018

Томас Сарасено. Garage Atrium Commissions
С 12 июля 2020 года
Музей современного искусства «Гараж»

Томас Сарасено относится к роду художников, которые не боятся претворять утопические фантазии в жизнь. Чаще всего его гигантские инсталляции представляют собой модель парящего в небесах города, образ которого отсылает к научно-фантастической литературе. Аргентинский художник многие годы увлечен проектированием утопических воздухоплавательных аппаратов, и в рамках программы Garage Atrium Commissions он представит одну из своих самых известных инсталляций «На орбите» — парящую в воздухе зеркальную сферу, впервые показанную в 2013 году в музее Штендехаус К21 в Дюссельдорфе. «Облачное» градостроение Сарасено, вдохновленное идеями визионеров западной архитектуры Фрая Отто и Ричарда Бакминстера Фуллера, в российском контексте оказывается созвучно многим разработкам советских авангардистов, будь то архитектоны Казимира Малевича, «Летающий город» Георгия Крутикова или аппарат «Летатлин» Владимира Татлина.

 

Сергей Базилев. Однажды на дороге. 1983. Холст, масло. Государственная Третьяковская галерея

Это было навсегда. 1968–1985
14 апреля — 16 августа 2020 года
Новая Третьяковка

Проект посвящен советскому искусству эпохи застоя. Он станет второй частью трилогии, которую открыла выставка «Оттепель» в 2017 году. Она была выстроена вокруг основных идей и стилистических тенденций 1960-х, в этот раз в основу повествования ляжет анализ индивидуального и массового сознания на материале художественных произведений. По словам представителей Третьяковской галереи, также на выставке впервые искусство эпохи застоя будет рассматриваться в контексте мировой проблематики постмодернизма. Экспозиция будет состоять из шести разделов: «Ритуал и власть», «Соц-арт», «Религиозный мистицизм», «Сообщества», «История и остановленное время», «Деревня», «Детство» и «Исчезновение». Всего на выставке будет представлено более 400 произведений. Третьей частью проекта станет выставка, посвященная перестройке.

 

Анна Терешкина. Из серии «Окоп в огороде». Бумага, акварель, линер. 2018–2020. Courtesy Музей современного искусства «Гараж»

2-я Триеннале российского современного искусства
12 июня — 8 октября 2020 года
Музей современного искусства «Гараж»

Триеннале российского современного искусства — один из самых амбициозных проектов музея «Гараж» последних лет. Первая его редакция была посвящена инициативам, которые меняют культурный ландшафт в регионах и формируют тенденции современного искусства в России. В этот раз кураторы Валентин Дьяконов и Анастасия Митюшина предложили выбирать участников нынешней триеннале тем, кто выставлялся в «Гараже» в прошлый раз. Также рекомендующий должен помочь номинанту в реализации работы. Эта механика позволит обнажить процесс создания произведений и выявить особенности редко попадающих в публичное поле отношений между акторами. Темой триеннале стала «Красивая ночь всех людей». Важной составляющей проекта по-прежнему остается развитие взаимоотношений регионов и расширение присутствия триеннале за пределами Москвы.

 

Субод Гупта. Curry. 2005. Инсталляция. Кухонная утварь и оборудование из нержавеющей стали. © Subodh Gupta

Современное индийское искусство
Открытие в июне 2020 года
Новая Третьяковка, Западное крыло

Современные индийские художники впервые не только в России, но и в мире будут собраны на одной площадке в невиданных масштабах — свыше 50 участников, среди которых Мриналини Мукерджи, Субот Гупта, Амар Канвар, Шилпа Гупта, Анита Дюбе, Аниш Капур. Несмотря на интерес художественного сообщества, индийское искусство как целостное явление, по мнению Третьяковской галереи, редко показывается «должным образом» на выставках за пределами Индии. Зрителям предстоит увидеть эффектные пространственные полотна и видеоинсталляции, в которых художники используют все возможности новейших медиа и в то же время обращаются к богатым духовным и культурным традициям своей страны. Проект осуществляется при поддержке Музея искусств Кирана Надара, обладающего крупнейшей в Индии коллекцией современного искусства, в организации выставки также примут участие частные музеи Индии и ведущие европейские собрания современного искусства. Галерея надеется привезти экспонаты с Венецианской биеннале, где, в частности, выставлялись работы Субода Гупты.

 

Джузеппе Арчимбольдо. Лето. Холст, масло. 1563. Музей истории искусств, Вена

Джузеппе Арчимбольдо и его время
Открытие в декабре 2020 года
Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина


В искусстве итальянского живописца и декоратора Джузеппе Арчимбольдо (1526–1593) художники XX века усматривали предвосхищение сюрреализма. На его полотнах сливаются воедино цветы, плоды, листья, книги и предметы быта, образуя портреты реальных людей или аллегории в виде человекообразных существ. Эти фантасмагории, родившиеся в эпоху маньеризма, полную художественных причуд, до сих пор будоражат зрительское воображение, тем более что Арчимбольдо любил создавать в своих картинах всевозможные перевертыши и ребусы. При этом большинство его картин в течение нескольких столетий таились в частных собраниях и практически не были известны до той поры, когда сюрреалисты объявили художника своим предтечей. В российских собраниях работ Арчимбольдо нет, и знаменитые «головы», которые предоставят музеи Италии, Швеции, Германии, Японии и других стран, приедут в Россию впервые — среди них аллегория лета из венского Музея истории искусств. Произведения Арчимбольдо будут показаны в контексте европейской культуры рубежа XVI–XVII веков — на выставке будут представлены около 80 произведений живописи, графики и предметов прикладного искусства.

 

Микеланджело Пистолетто. Смартфон. 2018. Зеркальная сталь, шелкография. Giorgio Persano Gallery, Турин, на ярмарке Cosmoscow, 2019. Фото: Екатерина Алленова/Артгид

Микеланджело Пистолетто
11 июня — 13 сентября 2020 года
Московский музей современного искусства на Петровке

Масштабная ретроспектива объединит работы Микеланджело Пистолетто с 1950-х годов до наших дней. Итальянский шестидесятник, один из создателей arte povera, классик и утопист, обладатель «Золотого льва» Венецианской биеннале 2003 года, Пистолетто неплохо известен в российской столице: в 2007 году в ГЦСИ показал мультимедийную инсталляцию «Третий рай», созданную в соавторстве с рок-певицей Джанной Наннини, в 2011-м на выставке «“Арте Повера” в Москве. Произведения из коллекции Кастелло ди Риволи» была его суперзнаменитая «Венера тряпичная», или «Венера в лохмотьях», он приезжал читать лекцию на 6-ю Московскую биеннале в 2015-м, попутно создав на ВДНХ инсталляцию из скамеек, сгруппированных в три кольца — модернизированный знак бесконечности, который Пистолетто также растиражировал во время биеннале на футболках и сувенирах. А в уходящем году его зеркальный триптих «Смартфон» стал самым дорогим экспонатом (€500 тыс.) ярмарки Cosmoscow. Технологию нанесения фотографий и рисунков на металлические поверхности с зеркальным покрытием Пистолетто разработал еще в 1962 году, и «зеркальные картины» с тех пор стали его фирменными произведениями, но помимо них он делал много чего еще: создавал гобелены из обернутых старыми тряпками кирпичей и инсталляции из газет и дешевых пластиковых копий классических скульптур (в их числе и «Венера тряпичная»), занимался театром и перформансами, сочинял этикетки для тосканских вин, в 1998-м создал художественную коммуну Cittadellarte («Город искусства») в пространстве выкупленной им фабрики, и эта коммуна существует до сих пор. Словом, ретроспектива обещает быть многообразной и многогранной, тем более что, по словам исполнительного директора ММОМА Василия Церетели, «художник сам приезжал, смотрел музей, принимает активное участие в проекте» и обещает несколько новых работ, созданных специально для московской выставки.

 

Архитектура ВХУТЕМАС. Москва, 1927. Обложка книги. Фотомонтаж: Эль Лисицкий

Вхутемас. 100
Открытие осенью 2020 года
Музей Москвы


Выставка приурочена к 100-летию создания в Москве Высших художественно-технических мастерских, которые сегодня, как и век назад, коротко называют Вхутемасом. Созданный как институт подготовки «прикладников» и «технарей» в области искусства, Вхутемас (с 1927 года действительно институт — Вхутеин, то есть Высший художественно-технический институт), имевший помимо живописного, скульптурного и архитектурного еще и полиграфический, керамический, деревообделочный и металлообрабатывающий факультеты, очень быстро стал кузницей мастеров авангардного дизайна — в то время, когда сам термин «дизайн» еще даже не вошел в обиход. Вхутемас включал обязательный пропедевтический курс, сочетавший научные и художественные дисциплины, — целью этого курса было обучение студентов языку пластических форм, законам формо- и цветообразования. Во Вхутемасе преподавали Константин Истомин, Василий Кандинский, Павел Кузнецов, Николай Ладовский, Эль Лисицкий, Константин Мельников, Александр Родченко, Владимир Татлин, Владимир Фаворский и многие другие. По сути, до расформирования в 1930 году, Вхутемас был главным художественным институтом страны, определившим пути развития художественного и дизайнерского образования в России. Музей Москвы расскажет историю Вхутемаса как родоначальника современных текстильных, архитектурных и полиграфических и художественных вузов, собрав документы, фотографии, исторические артефакты и объекты искусства из Художественно-промышленной академии имени С.Г. Строганова, Московского архитектурного института, Российского государственного университета имени А.Н. Косыгина, Московского государственного университета печати имени И. Федорова.

 

Анна Лепорская. Псковитянка. 1932–1932. Холст, масло. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Анна Лепорская (1900–1982). Живопись, графика, фарфор
Открытие в ноябре 2020 года
Государственный Русский музей, Михайловский замок

Уже само название выставки отражает грани искусства Анны Лепорской — живописца, графика, художника по фарфору, керамиста и дизайнера. Лепорская была одной из самых преданных и последовательных учениц Казимира Малевича и какое-то время — его секретарем, в частности, помогала ему в создании теоретических таблиц «Исследование живописной культуры как формы поведения художника», созданных в 1927 году для лекций и выставки в Берлине, и перед Венецианской биеннале 1924 года вместе с Константином Рождественским и Николаем Суетиным участвовала в написании триптиха из черного креста, черного круга и черного квадрата, который Малевич собирался экспонировать в павильоне СССР. Суетин стал ее мужем — их, в частности, объединило увлечение фарфором. В 1935 году на могиле Малевича они установили спроектированный Суетиным памятник — куб с «Черным квадратом» (не сохранился). Долгие годы у Лепорской хранились архив и рисунки Малевича, переданные впоследствии в Русский музей. В качестве художника-монументалиста Анна Лепорская оформила интерьер зала искусств павильона СССР на Всемирной выставке в Париже в 1937 году и повторила свой подвиг на Международной выставке в Нью-Йорке в 1939-м. В 1942 году она в качестве дизайнера начала работать на Ленинградском фарфоровом заводе (ЛФЗ), где Суетин в то время был главным художником, и проработала там сорок лет, до самой смерти.

Комментарии

Читайте также


Rambler's Top100